El 4 de febrero es el 35.º (trigésimo quinto) día del año en el calendario gregoriano. Quedan 330 días para finalizar el año.
Celebraciones
Nezahualcóyotl
(también escrito como Netzahualcóyotl)(1402-1472)
(náhuatl: Nezahual.cóyō.tl 'coyote que
ayuna') fue el monarca (tlatoani) de la
ciudad-estado de Texcoco en el México antiguo y se convirtió en el principal
aliado militar y político de los mexicas, pueblo con el que
estaba emparentado por la rama materna, aunque no se considera de raza mexica
sino chichimeca.
Ejerció
el poder y se desempeñó notablemente como poeta,
erudito y arquitecto. Nació el 28 de abril (según otras fuentes, el 4 de febrero) de 1402
en Texcoco (actualmente un municipio del Estado de México)
en la actual República Mexicana
y murió en 1472.
Era hijo del sexto señor de los chichimecas, Ixtlilxochitl,
cuyo nombre significa 'flor oscura' (īxtlīl- 'oscuro, negro', xōchitl
'flor') señor de la ciudad de Texcoco, y de la princesa mexica Matlalcihuatzin,
hija del tlatoani azteca Huitzilíhuitl, segundo señor de Tenochtitlan.
Al nacer, le fue asignado el nombre de Acolmiztli (en náhuatl: Acōlmiztli, ‘felino
fuerte’) pero las
tristes circunstancias que rodearon su adolescencia hicieron que se cambiara el
nombre por el de Nezahualcóyotl que significa «coyote que ayuna o coyote
hambriento», entendiéndose el ayuno como una forma de sacrificio.
Fernand
Léger (4 de febrero de 1881
- 17 de agosto de 1955)
fue un destacado pintor cubista francés de la primera mitad del siglo XX. La
principal colección de sus obras puede verse Museo nacional
Fernand-Léger, localizado en Biot
en los Alpes Marítimos,
un museo del Estado francés inuagurado en 1960.
Nacido en Argentan, Normandía, en el seno de una familia
campesina, quedó huérfano de padre antes de cumplir dos años. Recibió
instrucción primero en la escuela de su pueblo natal, y después en un instituto
religioso de Tinchebray.
Entre 1897
y 1899 fue alumno de un arquitecto en Caen;
en 1900 se traslada a París, donde trabaja como dibujante de
arquitectura, al tiempo que estudia en la Académie Julian.
Tras cumplir su servicio militar (1902-1903), ingresó en la Escuela Nacional
Superior de Artes Decorativas al no conseguir plaza en la de Bellas Artes,
donde, como alumno libre, recibió lecciones de Jean-Léon Gérôme
y de Gabriel
Ferrier. Visitó asiduamente el Museo del Louvre y, al igual que otros
pintores de su generación, debió al impresionismo, iniciado en las galerías de
la calle de Laffitte, la esencia de su formación artística.
Sus primeras obras datan
de 1905 y son de clara influencia impresionista.
En 1907,
al igual que otros pintores parisinos, queda profundamente impresionado por la
retrospectiva de Cézanne. En este mismo año
entra en contacto con el primer cubismo de Picasso y Braque.
Desde los primeros
momentos, el cubismo de Léger se orienta hacia el desarrollo de la iconografía
de la máquina.
Desnudos en
el bosque (1909-1910),
inspirado posiblemente en el cuadro de Picasso de 1908
del mismo título, convierte el tema en una habitación llena de artefactos y
robots, donde parece apartarse de la férrea doctrina de Cézanne de pintar a
partir del cilindro y el cono; la sobriedad de los colores, unida a la
actividad frenética de los robots, crea una atmósfera simbólica de un mundo
nuevo y deshumanizado. En algunos aspectos es una anticipación del futurismo italiano.
En 1910 expone con
Braque y Picasso en la galería de Kahnweiler
donde, en 1912, hace también su primera individual. Al
siguiente año comienza a investigar sobre formas de máquinas representadas con
colores primarios, llegando en ocasiones a una estructura abstracta que se hace
más explícita con los títulos, como por ejemplo Contraste de formas, de 1913,
donde se acerca a las ideas de Delaunay sobre los contrastes de color, aunque
manteniendo la marcada tridimensionalidad de sus primeros trabajos. Su
fascinación por las formas geométricas y los colores brillantes le lleva a
menudo al borde de un arte abstracto, que siempre acaba rechazando.
En Escalera, de 1914,
vuelve a pintar la figura y su entorno, pero construyéndola mediante las formas
abstractas utilizadas anteriormente.
Entre 1914 y 1917
cumple su servicio militar. La experiencia de la guerra le revela las
posibilidades visuales de las máquinas como iconos de la modernidad; aunque su
estilo ya estaba predispuesto en esta dirección, a partir de entonces usa las
formas cilíndricas y geométricas para idear un mundo mecanizado, aunque, a diferencia
de los futuristas, no venera a la máquina, sino que quiere reconciliar sus
formas metálicas y regulares con las formas orgánicas, para construir una
visión humanista.
La ciudad, de 1919, es una obra clave en
las investigaciones de Léger sobre la relación de la realidad con la superficie
pintada. En este cuadro controla el habitual aspecto escultórico de su pintura
a través de la rigidez arquitectónica, estableciendo la primacía de la bidimensionalidad
del plano pictórico; utiliza diversos métodos avanzados de cubismo sintético
para conseguir todo tipo de variaciones ilusionistas.
En las obras de este
periodo que tienen como tema la ciudad, la figura humana aparece
despersonalizada y mecanizada, adaptada al ambiente que la circunda. El artista
traduce la energía de la vida contemporánea a equivalentes pictóricos; masa,
color y forma se confrontan en una multiplicidad de relaciones, creando
imágenes independientes que producen sensaciones simultáneas; los planos se
disponen de forma equilibrada y las composiciones se organizan por zonas bien
definidas de color puro, uniforme y claramente delimitado. "Los elementos
pictóricos de Léger, netos, simples, variados, producen, como las máquinas ideales,
efectos de extraordinaria potencia".
En los primeros años
veinte colabora con el escritor Blaise Cendrars en algunas películas, y diseña
escenografías y trajes para los Ballets suédois
de Rolf de Maré.
En 1923-1924
trabaja en su primera película sin argumento, Ballet mécanique, en la
que interviene también Man Ray. En 1924
abre un taller con Ozenfant, y en 1925
hace sus primeros murales en el Pabellón del L'Esprit Nouveau de Le Corbusier para la Exposición Internacional
de Artes Decorativas.
Durante los años veinte
y treinta, Léger se muestra abierto a los estilos que se desarrollan. Algunos
de sus cuadros de estos años muestran ciertas influencias de Kandinsky, de De Stijl y del Surrealismo.
El tema que más
desarrolla en esta época es la figura, en composiciones como Tres mujeres
(1921), donde las figuras se muestran
despersonalizadas, como volúmenes mecánicos modelados a partir del fondo
geométrico, dando un paso más hacia la abstracción, al mismo tiempo que evoca
un ambiente Art Déco. En cuadros
como este se acerca claramente al purismo de Ozenfant y Le Corbusier.
En 1931
visita por primera vez los Estados Unidos y, en 1935,
el Museo
de Arte Moderno de Nueva York y el Instituto de Arte de Chicago exponen su obra. Entre 1940
y 1945 vive en los Estados Unidos, y vuelve a Francia al final de la guerra. Durante su
estancia en Estados Unidos es profesor de la Universidad de Yale.
En los últimos diez años
de su vida hace ilustraciones de libros, cuadros de figuras monumentales,
pinturas murales, vidrieras, mosaicos, esculturas polícromas de cerámica y
escenografías teatrales. En 1955 gana el gran premio de
la Bienal de Sao Paulo.
Muere el 17 de agosto de ese mismo año en Gif-sur-Yvette, Francia.
Antonio di
Jacopo Benci llamado Antonio Pollaiuolo (Florencia 17 de enero de 1432
o 1433 – Roma
4 de febrero de 1498),
también conocido como Antonio del Pollaiolo o Antonio Pollaiolo,
fue un pintor, escultor, orfebre y grabador cuatrocentista
italiano, que asimismo perfeccionó el arte del
esmaltado.
Su hermano fue el artista
Piero Benci;
los dos trabajaron frecuentemente juntos en un famoso taller que fundaron en
Florencia, rival del de Andrea del Verrocchio.
Su obra refleja tanto influencia clásica como interés en la anatomía humana.
Cuenta Vasari que los hermanos llevaron a cabo
disecciones para mejorar su conocimiento de la anatomía. Tomaron su sobrenombre
Pollaiuolo del negocio de su padre, que vendía aves de corral, gallinas
(pollaio significa gallinero).
Los primeros estudios de
esmalte de Antonio fueron o bien con su padre o con Andrea del Castagno:
el último probablemente le enseñó también a pintar. Está comprobado que fue
discípulo de Domenico Veneziano
y, asimismo, tuvo el influjo de Donatello.
Abandonó la orfebrería
para dedicarse plenamente a la pintura, la escultura y el grabado. Junto a Ghiberti trabajó en los relieves de las
puertas del baptisterio de Florencia. En cuanto a sus grabados, estos
influyeron en Andrea Mantegna
y, por intermedio de Mantegna, en Durero.
Algunas de las pinturas
y grabados de Pollaiuolo exhiben un exceso de
brutalidad, característica que puede ser estudiada por ejemplo en El combate
de los hombres desnudos, grabado de 1470 o 1480.
En contraste, sus figuras
femeninas muestran una completa serenidad y una cuidadosa atención a los
detalles de los vestidos, como era la norma en el retrato del siglo XV.
Gran parte de su obra
pictórica se ha perdido, por ejemplo la serie llamada Los trabajos de Hércules que se hallaba en el palacio de
los Medicis.
Pero es como escultor y
como trabajador del metal como logró su gran éxito, realizó gran cantidad de
pequeños bronces como los del grupo llamado Hércules
y Anteo. La exacta atribución de sus obras
es dudosa debido a que su hermano hizo mucho en su colaboración.
En 1484
Antonio fijó su residencia en Roma, donde ejecutó la tumba
del papa Sixto IV en la gruta de la Basílica de San Pedro
(finalizada en 1493), una composición en la que vuelve a
manifestar su modo de exageración anatómica de las figuras. En 1496
fue a Florencia para dar los últimos retoques al trabajo ya empezado en la
sacristía del Santo
Spirito.
Murió, como hombre rico,
habiendo terminado ya su mausoleo del papa Inocencio VIII, también en San Pedro, y fue
enterrado en la Iglesia de San Pietro in Vincoli.
Entre sus habilidades
destaca su maestría en representar a la figura humana en movimiento. La
principal contribución de Antonio a la pintura florentina yace en su análisis
de la anatomía del cuerpo en movimiento o bajo condiciones de tensión, pero es
también importante por su interés pionero en el paisaje. Se dice de él que se
anticipó a Leonardo en diseccionar cuerpos para estudiar
su anatomía. Entre sus alumnos destaca Sandro Botticelli y Andrea Sansovino.
José Miguel
Covarrubias Duclaud (Ciudad de México,
22 de noviembre de 1904
- 4 de febrero de 1957),
también conocido como El Chamaco, fue un artista e investigador
mexicano.
Una de las figuras más
polifacéticas de la historia cultural de su país,
fue caricaturista, dibujante, ilustrador, diseñador teatral, pintor y, como
resultado de una formación autodidacta y empírica, autor de importantes
estudios antropológicos y etnológicos.
Hizo aportaciones a la museología y, en una breve etapa de
funcionario, en los inicios de los años 50, impulsó la experimentación y la
creatividad en la danza moderna mexicana.
Su postura política fue
de izquierda.
En sus libros manifestó su antifascismo y horror
a la guerra, denunció el caciquismo y el reparto injusto de los recursos. Sin
embargo, sus pinturas y caricaturas no expresaban críticas políticas. A
diferencia de los tres grandes, Orozco, Rivera y Siqueiros, el Chamaco
no fue un militante, sino un idealista y romántico que trató al prójimo como un
hermano.
Estudió en la Escuela
Nacional Preparatoria y dejó incompletos sus estudios para dedicarse
a la caricatura. Publicó sus primeros trabajos a
los 14 años de edad en el periódico El Cáncer, fundado por el médico
cirujano Raoul Fournier.
Posteriormente, sus caricaturas de artistas, intelectuales y políticos
aparecieron en los periódicos y revistas nacionales Fantoche, El Heraldo, El Mundo y El
Universal Ilustrado. Trabajó también como ilustrador para libros didácticos publicados
por la Secretaría
de Educación Pública y como dibujante cartográfico para la Secretaría de Comunicaciones.
Su primer trabajo como
ilustrador de libros fue por invitación de Adolfo Best Maugard,
en 1923, para la publicación El
método de dibujo, el
cual contenía prólogo de José Juan Tablada
y conclusión de Pedro Henriquez Ureña.
Solo una de las 275 ilustraciones de la publicación llevaba su firma. Tanto el
mencionado Best Maugard como el pintor Roberto Montenegro
—Covarrubias colaboró en su mural Iberoamérica para el ex
templo de la Encarnación— fueron sus primeros maestros.
En 1924,
Covarrubias se instaló en Nueva York y recibió
el apoyo del poeta José Juan Tablada, quien lo contactó además con el medio
periodístico.
Conoció a la bailarina Rosa
Rolando, con quien se casaría años después, por Adolfo Best Maugard
-compañero de departamento. En
esa primera estancia y también debido a su poco dominio del inglés,
frecuentaría en New York a Rufino Tamayo, Carlos Mérida, Octavio
Barreda, Luis Cardoza y Aragón
y Carlos Chávez.
Se relacionó con
la élite neoyorkina y conoció a Frank Crowninshield, director de la revista Vanity
Fair; en enero de 1924 comenzó a publicar caricaturas e ilustraciones en la
revista, gracias a lo cual consolidó fama mundial. También publicaría en las
revistas New Yorker y Fortune, y sería ilustrador para diversas
editoriales estadounidenses. Pese al inicio de su carrera como un
caricaturista, hacia esa época Covarrubias encontraría mayor holganza económica
ilustrando libros.
Tuvo
colaboraciones importantes con el crítico literario Corey Ford, mejor conocido
como John Riddell, con quien publicaría la exitosa serie Impossible
Interviews. Juntos hicieron parodia de los personajes de los best-sellers
de la época, en libros como In the worst possible taste y Meaning no
offense.
En octubre de
1925 publicó The Prince of Wales and other famous americans. Los
66 personajes caricaturizados en este libro son representantes del teatro,
cine, música, deporte, literatura y política de los Estados Unidos, aunque
también aparecen ídolos y amigos personales del Chamaco. Sus caricaturas
eran más estéticas que burlonas, e incluso los aludidos quedaban satisfechos
con su representación. Covarrubias utilizaba líneas sencillas, con las que
lograba dar una expresión fuerte y característica a cada personaje.
Durante su
estancia en Nueva York frecuentó el barrio de Harlem e
incursionó en la cultura popular "afroamericana", que se expresaba en
forma de blues, jazz y baile. De algún modo, esta cultura le recordaba a
México, y se interesó tanto en ella que realizó estudios profundos e intuitivos
de su sociedad. Las ilustraciones que hacía al respecto, y que seguían
apareciendo en Vanity Fair, estaban basadas en sus estudios y
dignificaban al afroamericano. En 1927 publicó Negro Drawings, libro en
el que recopiló varias de estas.
El 24 de abril
de 1930 se casa con Rosa Rolando y pasan su luna de miel en Bali,
una isla que forma parte del archipiélago de Indonesia. De nuevo, se sintió
cautivado por una cultura diferente a la suya y, en 1933, consigue una beca de
la fundación Guggenheim.
Regresó entonces a Asia meridional para dibujar, pintar y
realizar trabajos etnográficos en la isla
de Bali.
En 1934 regresan
a Nueva York y en 1935 se muda a la Ciudad de México, a la casa heredada de sus
padres en Tizapán, San Ángel. Covarrubias pasó todo 1935 y parte del 36
preparando su libro Island of Bali que incluye 114 fotografías del
autor, 5 pinturas y 90 dibujos, además otras fotografías tomadas por su esposa
Rosa. El libro se publicó en 1937 y fue todo un éxito en ventas.
Mapas
y murales
En 1937 realizó
6 mapas murales para la exposición internacional del Golden Gate en San
Francisco, con el fin de ilustrar geográficamente la riqueza del territorio
asiático y americano. Los mapas fueron realizados con una técnica innovadora:
laca de duco diluida en disolvente sobre una base de nitrocelulosa, con la que
obtuvo un acabado brillante, permanente, duro e impermeable.
En México
realizó otros tres mapas murales. Dos de ellos, en el vestíbulo del Hotel del Prado, ilustraban los recursos
naturales del país y los puntos de interés histórico, así como las ciudades y
los medios de transporte que las unen. El otro se encuentra en el ex templo de
Corpus Christi. Fue realizado en 1951 con motivo de la inauguración
en el ex templo del Museo de Artes e Industrias Populares.
Otro mural de
Covarrubias se encuentra en el Hotel Ritz, se titula Una tarde de domingo en
Xochimilco. En él, refleja la gracia y las costumbres de los habitantes de
la zona, los tipos urbanos, los pachucos y señoras que pasean en trajinera en medio de chinampas. Lo realizó en 1947. Su último mural
se encuentra en el Stewart Building de Dallas, Texas, lo terminó en 1954 y se titula Genesis,
the Gift of Life.
Danza,
etnografía y antropología
A su vuelta a
México, en 1936, y dada la relativa facilidad con la que tuvo acceso a piezas
de origen mesoamericano, se incrementó su fascinación por dicha etapa de la
historia repercutiendo ello en el crecimiento de su colección de piezas y su
archivo al respecto, así como su labor docente e investigativa.
Hacia 1936 se comprometió
con la ilustración de The Discovery and Conquest of Mexico, trabajo
solicitado por el director de The Limited Editions Club, George Macy, quien
además realizó el trabajo editorial desde México para facilitar la labor del
artista.
Covarrubias dibujó 48 ilustraciones. Para el cuidado de la edición, a cargo de
Rafael Loera y Chávez, fueron pedidas tintas especiales a Estados Unidos.
Covarrubias
ejerció la docencia enseñando etnografía en la Escuela
Nacional de Antropología e Historia y fue director de la Escuela de
Danza del Instituto nacional de Bellas Artes. Además, el
puesto que tuvo como coordinador de danza del Instituto Nacional de Bellas
Artes le dio a México un nuevo aire, pues llevó a la Ciudad de México por
primera vez, en 1953, al sinaloense José Limón, director de la José Limón Company
y una de las principales figuras de la danza moderna americana. Durante estos
años, diseñó vestuarios y escenografías para ballets como El invisible, Tózcatl,
Zapata y La mano de Dios. Sobre esa experiencia en el pasado
mexicano, Ernesto de la Torre Villar dijo:
"Si
[Covarrubias] no fue historiador profesional, si podemos afirmar que fue uno de
los mejores intérpretes de nuestra historia"
Además de pintar
sobre la cultura mexicana, tuvo una participación activa en la antropología y
arqueología desde 1940 y hasta su muerte en 1957. Un gran aporte en este ámbito
se vio reflejado en su documental realizado en la ciudad de Tehuantepec
en 1941, y posteriormente con apoyo de la fundación Guggenheim, se dirigió a
esta misma para estudiar y posteriormente publicar su libro Mexico South: The Isthmus of Tehuantepec,
en 1946. Posteriormente, en 1954, publicó The Eagle, the
Jaguar and the Serpent. Indian Art of
the Americas, otro libro con estudios en este campo. Quizás su
aportación más relevante fue el redescubrimiento de la cultura olmeca, pues fue el primero al que se le
ocurrió ligar bajo un común denominador todos sus objetos, a partir de la
intuición plástica y estética.
En 1954,
Covarrubias se separó de Rosa y, en 1955, se casó con Rocío Sagaón. Ella
también era bailarina, pero mexicana y diez años más joven que Rosa; la conoció
en el INBA.
Fallecimiento
La diabetes de Covarrubias se agrava y le provoca
una úlcera, que hace necesaria su internación en
el Hospital Juárez.
Falleció el 5 de febrero de 1957. Fue velado en el Museo Nacional de
Antropología e Historia y enterrado en el Panteón Francés, en la cripta de la
familia Covarrubias.
Obras
Conocido en
Estados Unidos como comediante y caricaturista, sus obras pictóricas reflejan
con fino humor la sociedad mexicana de su época. Firme exponente del Art Decó, su estilo lineal de dibujo fue una
importante influencia en caricaturistas como Al
Hirschfeld. Las ilustraciones que elaboró para ediciones
estadounidenses de libros se han vuelto artículos de colección muy buscados por
los conocedores.
El Museo Universitario "Dr. Luis Mario Schneider"
ganó el Premio "Miguel Covarrubias" a la mejor museografía en el año
2002.
Carl Ransom
Rogers (8 de enero de 1902,
Oak Park, Illinois, Estados Unidos- de febrero de 1987,
San Diego,
California, Estados Unidos) psicólogo estadounidense, iniciador junto a Abraham Maslow del enfoque humanista
en psicología. Un estudio realizado entre psicólogos estadounidenses y
canadienses en 1982 lo situó como el psicoterapeuta más
influyente de la historia, por delante de Albert Ellis y Sigmund Freud.
Nació en Oak Park, un
barrio de Chicago, Illinois. Fue el cuarto de seis hijos. En 1914
marchó al campo para dedicarse a la agricultura y a la crianza de animales. En
1919 se inscribió en la Facultad de Agricultura en la Universidad
de Wisconsin-Madison donde estudió ciencias agrarias. Posteriormente
cambió su área de estudios a Teología en un seminario.
En 1922 se
trasladó a China por algunos meses con un grupo de estudiantes americanos para
participar en una conferencia internacional organizada por la Federación Mundial de Estudiantes Cristianos.
Esta estancia le permitió confrontar la cultura occidental con la oriental y de
este modo replantearse muchas cuestiones en su vida. Nada más vuelto a los
Estados Unidos, se graduó de la Universidad de Wisconsin en Historia y se
inscribió en el Seminario Teológico en Nueva York. Posteriormente, abandonó los
estudios teológicos y emprendió otros de carácter psicopedagógico en la
Universidad Columbia donde obtuvo su doctorado en 1931. Después de un año de
estudios en el Institute for Child Guidance de New York, pasó al Child
Study Department de Rochester
a donde llegó "más por razones económicas que por vocación" según
comenta en el capítulo dedicado a el mismo de su libro "El proceso de
convertirse en persona".
En 1924 se casa
con Helen Elliot con la que, enseguida, tuvo dos hijos: David y Natalie.
Fascinado y estimulado por las teorías de Otto Rank y la corriente europea del Existencialismo, Rogers publicó en 1939 su
primer libro: The Clinical Treatment of the Problem Child. Gracias a
esto obtuvo una cátedra de psicología clínica
en la Universidad
Estatal de Ohio.
De 1942 en su Counseling
and Psychotherapy, funda las bases de su client-centered therapy (terapia
centrada en el cliente), piedra angular del movimiento de la Psicología Humanista.
En 1944 se
traslada a Chicago, su ciudad natal, donde funda el primer counseling center,
en el que efectúa su terapia y realiza investigaciones. Fruto de ellas es su nuevo
libro, Client-centered-Therapy, texto fundamental y manifiesto del
pensamiento de Rogers. En este libro aparecen más ampliadas y desarrolladas las
cuestiones que trató en Counseling and Psychotherapy.
En 1957 obtiene
la cátedra de Psicología y Psiquiatría de la Universidad de
Wisconsin. En su departamento de psiquiatría Rogers experimenta su
"terapia centrada en el cliente" con pacientes psicóticos obteniendo
óptimos resultados que publica en 1967 en su libro The Therapeutic
Relationship and its Impact: A Study of Schizophrenia.
En 1964 abandonó
la enseñanza y se trasladó a California, al Western Behavioural Science Institute de La Jolla. En 1969 funda el Center for the Study of the Person y,
sucesivamente, el Institute
of Peace para el estudio y la resolución de los conflictos.
Como dato
curioso él fue el primero en implementar las prácticas supervisadas, lo cual,
para su época fue algo completamente innovador.
Fue partícipe y
gestor instrumental en el desarrollo de la terapia no directiva, mejor conocida
como terapia centrada en el cliente, la cual renombró como terapia
centrada en la persona. Esta teoría es conocida por sus siglas en
inglés PCA “Person-Centered Approach” o enfoque centrado en la persona. Sus
teorías abarcan no sólo las interacciones entre el terapeuta y el cliente, sino
que también se aplican a todas las interrelaciones humanas. La terapia
rogeriana contrasta con las perspectivas psicológicas freudianas
y las sociales de Alfred Adler y de Albert Bandura, por el uso preferente de la empatía para lograr el proceso de comunicación entre el cliente y el terapeuta
o, por extensión, entre un ser humano y otro.
Rogers supone la
relación entre el cliente y el terapeuta como el elemento fundamental para que
se desarrolle el saneamiento del consultante. Mediante el uso de la escucha
empática, la congruencia propia del consejero y la aceptación incondicional, se
intenta promover un ambiente libre de amenazas donde el cliente pueda expresarse
libremente. Es a través de este escenario donde este último podrá, en su
tiempo, conocerse a sí mismo y así disminuir su ansiedad y tratar aquellas
situaciones que le acomplejan.
Para el simple
lector, la diferencia tangible reside en que la terapia centrada en el
terapeuta se basa en la capacidad de interpretación del profesional. Mientras
que la terapia centrada en la persona el marco de referencia deja de ser el
conocimiento teórico del terapeuta y se centra en como vive el cliente aquello
que le está sucediendo. Dicho en palabras de Rogers "Qué pasa con lo que
le pasa". También, deja de ser una terapia focalizada en resolver el
problema, y más bien se interesa en empatizar con el cliente en lo que está
viviendo. Se preocupa por cómo está viviendo la situación que le toca vivir.
Teoría
de la personalidad de Rogers
Las
proposiciones que están al comienzo de la serie son las más alejadas de la
experiencia del terapeuta y, por lo tanto, las más sospechosas, mientras que
las que aparecen hacia el final se acercan cada vez más al centro de nuestra
experiencia.
- A. Características del niño
1. Percibe
su experiencia como una realidad.
2. Posee
una tendencia innata a actualizar las potencialidades de su organismo.
3. Interactúa
con su realidad en función de esa tendencia fundamental a la actualización.
4. En
su interacción con la realidad, el individuo se comporta como una totalidad
organizada (gestalt).
5. Se
inicia un proceso de valoración organísmica, en el que el individuo valora la
experiencia al tomar como criterio de referencia la tendencia actualizante.
- B. El desarrollo del yo
1. Como
consecuencia de la tendencia a la diferenciación
2. Como
consecuencia de la interacción entre el organismo y el medio.
- C. La necesidad de consideración positiva
1. A
medida que se exterioriza la conciencia del yo, el individuo desarrolla una
necesidad de consideración positiva. La teoría no se interesa en saber si se
trata de una necesidad innata o adquirida. De acuerdo con Standal, que formuló
este concepto, es una necesidad adquirida:
2. La
satisfacción de esa necesidad se logra necesariamente por medio de las
inferencias obtenidas a partir del campo experencial de otra persona.
3. La
satisfacción de esa necesidad se relaciona con una gama muy amplia de
experiencias del individuo.
4. El
proceso de satisfacción de la necesidad de consideración positiva es recíproco,
ya que cuando el individuo se da cuenta de que satisface esa necesidad en otro,
satisface, por eso mismo, su propia necesidad de consideración positiva.
5. Los
efectos de esa satisfacción son intensos en el sentido de que la consideración
positiva manifestada por cualquier persona se comunica, en aquel que es objeto
de ella, al conjunto de la consideración que éste experimenta hacia esta
persona.
Los
aportes de Rogers a la educación
Rogers fue el
padre de la no directividad, según él, el clima psicológico de libertad
favorecía el desarrollo pleno del individuo, valoraba la empatía y la
autenticidad. Todo el proceso educativo debería entonces centrarse en el niño,
no en el profesor, no en el contenido pragmático. Para Rogers, los principios
básicos de la enseñanza y del aprendizaje son: confianza en las potencialidades
humanas, pertinencia del asunto que va a ser aprendido o enseñado, aprendizaje
participativo, autoevaluación, autocrítica y aprendizaje del propio
aprendizaje.
El aprendizaje
sería tan profundo como importante para la totalidad de la persona que se
educa: no podemos enseñar a otra persona directamente de ahí la importancia al
educador, o facilitador del aprendizaje: él debería crear el clima inicial,
comunicar confianza, aclarar, motivar con congruencia y autenticidad, él llama
a esto “comprensión empática”.
Para Rogers, el
objetivo de la educación es ayudar a los alumnos a convertirse en individuos
capaces de tener iniciativa propia para la acción, responsables por sus
acciones, que trabajaran no para obtener la aprobación de los demás, sino para
alcanzar sus propios objetivos.
Algunos
principios del aprendizaje:
- 1.- Los seres humanos tienen natural potencialidad para aprender.
- 2.- El aprendizaje significativo se verifica cuando el estudiante percibe que la materia por estudiar se relaciona con sus propios objetos.
- 3.- Es por medio de actos como se adquiere un aprendizaje más significativo.
- 4.- El aprendizaje es facilitado cuando el alumno participa de su proceso responsablemente.
- 5.- El aprendizaje autoiniciado que comprende toda la persona del aprendiz (sus sentimientos al igual que su inteligencia) es el más durable e impregnable.
- 6.- El aprendizaje socialmente más útil, en el mundo moderno, es el del propio proceso de aprendizaje, una continua apertura a la experiencia y a la incorporación dentro de sí mismo del proceso de cambio.
- 7.- Una persona no puede enseñar directamente a otra, solo puede facilitar su aprendizaje
- 8.- Una persona se resiste por medio de la negación o la distorsión a una experiencia que, al asimilarla, provocaría un cambio en su propia organización
- 9.- La estructura y la organización propias de una persona se vuelven rígidas bajo amenaza y se relajan si la persona no se siente amenazada
Obra
- El tratamiento clínico del niño problema (1939)
- Orientación Psicológica y Psicoterapia (1942/1978)
- Psicoterapia centrada en el cliente (1951)
- El proceso de convertirse en persona (1979)
- Una afirmación apasionada (1969)
- Libertad de aprender (1969)
- Grupos de encuentro (1970)
- Psicoterapia y relaciones humanas (1971)
- Psicoterapia centrada en el cliente (1972)
- El matrimonio y sus alternativas (1972)
- El poder de la persona (1977)
- Orientación psicológica y psicoterapia (1978)
- Persona a persona (1980)
- El Camino del Ser (1980)
- La persona como centro (1981)
1995.- Muere el antropólogo estadounidense Robert McCorkle
Netting, primero en establecer la cultura de la ecología como disciplina
científica. Nace en octubre de 1934.
Karen Anne Carpenter (New Haven, 2 de marzo de 1950 - Downey, 4 de febrero de 1983) fue una exitosa cantante y baterista estadounidense famosa por el dúo The Carpenters conformado por ella y su hermano, Richard Carpenter. 1983.- Muere la cantante y baterista estadunidense Karen Carpenter a causa de un infarto por una anorexia nerviosa crónica. Junto con su hermano Richard forma el grupo Los Carpenters, que se convierte en una de las formaciones más populares. Ganan ocho Discos de Oro y cinco de Platino. Nace el 2 de marzo de 1950.
Karen Anne Carpenter (New Haven, 2 de marzo de 1950 - Downey, 4 de febrero de 1983) fue una exitosa cantante y baterista estadounidense famosa por el dúo The Carpenters conformado por ella y su hermano, Richard Carpenter. 1983.- Muere la cantante y baterista estadunidense Karen Carpenter a causa de un infarto por una anorexia nerviosa crónica. Junto con su hermano Richard forma el grupo Los Carpenters, que se convierte en una de las formaciones más populares. Ganan ocho Discos de Oro y cinco de Platino. Nace el 2 de marzo de 1950.
Josefa Flores González, más conocida como Marisol o Pepa Flores (Málaga, 4 de febrero de 1948) es una actriz y cantante española.
Como niña prodigio, Marisol tuvo gran éxito en España en la década de 1960, con películas musicales del género infantil, una de las cuales, Cabriola, fue dirigida por el célebre actor Mel Ferrer. Ya a edad adulta realizó algunos estimables trabajos con directores como Carlos Saura, pero en 1985 optó por una vida más discreta y actualmente se mantiene alejada de los medios de comunicación.
Maurice
White (Memphis, 19 de diciembre de 1941-Los Ángeles, 4 de febrero de 2016)
fue un cantante, compositor y productor musical estadounidense, conocido
principalmente por ser fundador de la banda Earth, Wind &
Fire. Era también el hermano mayor de Verdine White, miembro de la banda en la
actualidad, y de Fred White,
antiguo miembro. Maurice trabajó como el compositor principal de la banda y como
su productor, y era cantante junto a Philip Bailey. White fue candidato a 20 Grammys, ]de
los que ganó siete.
White ingresó en el Salón de la Fama
del Rock y en el Vocal
Group Hall of Fame como miembro de Earth, Wind & Fire, e
individualmente entró en el Salón
de la Fama de los Compositores.
También conocido por su apodo Reese, trabajó con varios artistas famosos como Deniece Williams, The Emotions, Barbra Streisand y Neil Diamond.
Se le diagnosticó Parkinson a finales de los años ochenta, lo que le llevó a dejar de
actuar en los conciertos de Earth, Wind & Fire en 1994. Aun así, White
mantuvo el control ejecutivo de la banda, y permaneció activo en el negocio de
la música.
White falleció, debido a
las consecuencias de la enfermedad de Parkinson, mientras dormía en su casa de Los Ángeles, el 4 de febrero de 2016 a los 74
años de edad.
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