EFEMÉRIDES 12 DE AGOSTO, DIA INTERNACIONAL DE LA JUVENTUD. NACIÓ EL ACTOR MEXICANO MARIO MORENO "CANTINFLAS".

2000.- Se celebra por primera vez el Día Internacional de la Juventud, con base en la proclama expedida por la Organización de las Naciones Unidas, a fin de que los gobiernos sean más receptivos a las aspiraciones de este sector de la población.

El 12 de agosto es el 224.º (ducentésimo vigesimocuarto) día del año en el calendario gregoriano y el 225.º en los años bisiestos. Quedan 141 días para finalizar el año.

Celebraciones

• Día Internacional de la Juventud.
• Lluvia de meteoros: fecha del máximo de caída de meteoros conocida como Perseidas (la tercera mayor lluvia del año).
• El Barco de Ávila (España): festividad de San Pedro del Barco.
• Argentina: Día de la Reconquista de Buenos Aires, Día del Trabajador de Televisión

• 30 a. C.: Cleopatra, última reina egipcia.

 GANADOR DEL CONCURSO DE LA MÚSICA DEL HIMNO NACIONAL MEXICANO

1854.- El gobierno de México da a conocer que el ganador del concurso de la música del Himno Nacional es el español Jaime Nunó; mientras que el mexicano Francisco González Bocanegra es el compositor de la letra.

PINTOR AUSTRIACO, EXPRESIONISMO

1890.- Nace el pintor austriaco Egon Schiele, quien junto con Oskar Kokoschka, conforman lo que se conoce por expresionismo austriaco. Muere el 31 de octubre de 1918.

PINTOR MURALISTA Y DIBUJANTE ARGENTINO

1896.- Nace el pintor, muralista y dibujante argentino Lino Enea Spilimbergo, uno de los grandes maestros del arte de su país al desarrollar distintos géneros como el cubismo, la escuela veneciana y el arte político, entre otros. Muere el 16 de marzo de 1964.

PINTOR ITALIANO, ÉPOCA MANIERISTA TARDÍA Y EL PRIMER BARROCO

Domenico Fiasella, llamado il Sarzana por su localidad de origen, (Sarzana, 12 de agosto de 1589 - Génova, 19 de octubre de 1669) fue un pintor italiano que vivió y trabajó durante la época manierista tardía y el primer barroco.

Hijo de Giovanni Fiasella, que trabajaba como platero. Con sólo once años entró como aprendiz en el taller de Aurelio Lomi, que residió en Génova de 1597 a 1604. Después se convertiría en ayudante de Giovanni Battista Paggi, gracias a la influencia del obispo de Sarzana, monseñor Salvago. En 1607 marchó a Roma en viaje de estudios. Allí pudo admirar y copiar la obra de Rafael y otros grandes maestros renacentistas como Miguel Ángel o Tiziano. También frecuentó la Accademia del Nudo.

Durante su estancia romana, Fiasella trabó amistad con Orazio Gentileschi, gracias al cual conoció las tendencias caravaggescas, si bien en la versión algo más atenuada y amable del pintor pisano. También gracias a él consiguió la protección del marqués Vincenzo Giustiniani, que le encargó algunas telas. Giustiniani había sido uno de los mecenas del difunto Caravaggio.

Fiasella consiguió el reconocimiento de Guido Reni, uno de los más célebres pintores de la época, gracias a una Natividad (perdida) que expuso en Santa Maria della Scala. Gracias a esta fama recién adquirida fue reclamado por maestros consagrados como el Cavaliere di Arpino o Domenico Passignano para colaborar con ellos en diversos proyectos de envergadura. En 1616 decidió volver a su patria, siendo ya un joven pintor de prestigio cada vez mayor.

En 1617 le encontramos trabajando en Sarzana, y poco después emprende la decoración del Palazzo Lomellini en Génova, que le dio también el prestigio como frescante. En 1630 la República de Génova le encomienda un prestigioso encargo: el diseño de la estatua de la Virgen como Reina de Génova, que habría de ser utilizada como imagen oficial del estado. La obra sería realizada en bronce por el escultor Giovanni Battista Bianco (1632).

Fiasella se convirtió posiblemente en el pintor más afamado en la Génova de su época; alrededor de su figura se formó un gran taller en el que se formaron muchos artistas de la siguiente generación, como Valerio Castello.

Obras destacadas

• Huida a Egipto (1615, Bob Jones University Museum, Greenville)
• Cristo resucita al hijo de la viuda de Naim (1615, Ringling Museum of Art, Florida)
• Cristo curando al ciego (1615, Ringling Museum of Art, Florida)
• Virgen con el Niño y San Lázaro (1617, San Lazzaro, Sarzana)
• Adoración de los Pastores (1617, San Francesco, Sarzana)
• Frescos del Palazzo Lomellini (1621, Génova)
• Historia de Esther
• Martirio de Santa Bárbara (1622, San Marco, Génova)
• San Nicolás, San Lázaro y San Jorge (1626, Santa Maria Assunta, Sarzana)
• Santa Lucía, Santa Bárbara y Santa Apolonia (1626, Santa Maria Assunta, Sarzana)
• Virgen con el Niño, San Bernardino de Siena y Salvatore d'Orta (1630, San Francesco, Sarzana)
• Asunción de la Virgen (1632, Nostra Signora del Monte, Génova)
• Magdalena penitente (Museo Palazzo Bianco, Génova)
• El profeta Isaías ante el rey Ezequías moribundo (Museo Palazzo Bianco, Génova)
• Virgen con Niño y ángeles (Museo Palazzo Bianco, Génova)
• La imperturbabilidad del filósofo Anaxandro (Museo Palazzo Bianco, Génova)
• La familia de Vincenzo Imperiale en la Villa de Sanmpierdarena (Museo Palazzo Bianco, Génova), realizado a medias con Giovanni Battista Casoni.
• Las dos familias de Abraham (Museo Palazzo Bianco, Génova)
• Autorretrato (Pinacoteca Civica, Ascoli Piceno)
• Anunciación (Santa Maria Assunta, Roccasecca dei Volsci)
• Vestición de Santa Clara (1648, Museo Diocesano, Sarzana)
• Matanza de los Inocentes (1653, Catedral de Santa Maria, Sarzana)
• Santa Clara ahuyenta a los sarracenos (1667, San Giovanni Decollato, Montoggio)

ACTOR Y COMEDIANTE MEXICANO

• Mario Fortino Alfonso Moreno Reyes (Ciudad de México, 12 de agosto de 1911-Ib., 20 de abril de 1993), conocido como Mario Moreno, y más como Cantinflas, fue un actor y comediante mexicano, ganador del Globo de Oro en 1956. Debido a su gran trayectoria cinematográfica, se constituye como uno de los comediantes más grandes y recordados de habla hispana y como el más reconocido comediante mexicano de todos los tiempos. Se dice de Mario Moreno que es el «Charles Chaplin de México».
• Gozó de una enorme popularidad con la interpretación de su personaje Cantinflas. Salió de los barrios pobres donde se originó el típico «pelado». El personaje se asoció con parte de la identidad nacional de México, sobre todo de las clases bajas, y le permitió a Moreno establecer una larga y exitosa carrera cinematográfica que incluyó una participación en Hollywood (La vuelta al mundo en ochenta días).
• Se dice que el estilo de salir a hacer comedia, disfrazado de «peladito», lo tomó del comediante Manuel Medel.^[]​ El humor de Cantinflas tan cargado de aspectos lingüísticos del habla mexicana, tanto en la entonación, como en el léxico o la sintaxis, fue tan celebrado por todos los países hispanohablantes que surgió toda una gama léxica de nuevas palabras: ser un cantinflas, cantinflear, cantinflada, cantinflesco o cantinflero.^[]
• A pesar de que algunas de sus películas fueron dobladas al inglés y al francés, y que su trabajo fue bien recibido entre el público de Francia, los juegos de palabras tan particulares en español resultaban difíciles de traducir. Su gran éxito lo logró entre el público hispanohablante, en Hispanoamérica, Guinea Ecuatorial^[] y España, donde todavía tiene muchos admiradores.
• Como pionero del cine mexicano, Mario Moreno contribuyó a su florecimiento durante la Época de Oro del Cine Mexicano. Además de actor y empresario, también llegó a entrar en la política de México. Aunque fue conservador, su reputación como portavoz de los desprotegidos le proporcionó autenticidad y se convirtió en una figura importante en la lucha contra el charrismo sindical, que es la práctica del gobierno de un solo partido, para manejar y controlar a los sindicatos.
• El 29 de agosto de 2014 fue estrenada una película en su honor protagonizada por el actor español Óscar Jaenada, que se centra en su llegada al cine de Hollywood, a finales de la década de 1950.^[]

PINTOR FRANCÉS CLASICISTA

Philippe de Champaigne (Bruselas, 26 de mayo de 1602-París, 12 de agosto de 1674) fue un pintor francés clasicista de origen brabanzón. Realizó pinturas decorativas y retratos, pero se le conoce sobre todo por los austeros cuadros que pintó para la Iglesia.

Nació en una familia acaudalada. Se formó con un modesto pintor de paisajes, Jacques Fouquières. Deseaba viajar a Roma, pero se instaló en París en 1621 y, salvo por alguna breve ausencia, vivió allí el resto de su vida.

Para perfeccionarse, trabajó con dos modestos pintores de la tradición manierista: Georges Lallemand y Nicolas Duchesne. En esa época se hizo amigo de Nicolas Poussin, un joven aún desconocido. Bajo la dirección de Duchesne, Philippe de Champaigne y Poussin colaboraron en la decoración del Palacio del Luxemburgo, erigido según deseos de María de Médicis, que ejercía de reina regente durante la minoría de edad de su hijo, el futuro Luis XIII.

Según publicó en 1718 el cronista Arnold Houbraken, celos profesionales de Duchesne empujaron a Champaigne a regresar a Bruselas, donde vivió en casa de su hermano. Sólo cuando Duchesne falleció, en 1628, Champaigne regresó y se casó con la hija del difunto maestro.

El pintor cayó bajo la influencia del jansenismo después de que su propia hija, víctima de una parálisis, fuese milagrosamente curada en el convento de Port Royal des Champs. Pintó entonces su célebre y atípico Exvoto en 1662. Este cuadro, hoy en el Museo del Louvre, representa a la hija del artista con la madre superiora. Expresó en sus obras el pensamiento jansenista. Su pieza más famosa en este contexto es «Vanitas», que es una naturaleza muerta donde se busca meditar acerca de lo efímero de la existencia y de la terrible seguridad de la muerte. Afirma Macias Fattoruso que el cuadro más significativo de este artista, el que mejor expresa su periodo jansenista, es "Vanitas", que trata de lo efímero de la existencia:

"El mensaje de una vitalidad que está a punto de fenecer — pues no es un tulipán aguerrido ni alegre, sino casi mustio— y el implacable reloj de arena están allí como para hacer patente que en este mundo, en la no eternidad, nada dura, por lo que no tiene sentido correr detrás de ninguna gloria en esta porción de infinito en la que estamos penando como si fuéramos extranjeros, visitantes sonámbulos viviendo provisoriamente en una casa prestada."

Para este autor el acercamiento a Port-Royal por parte del artista ha marcado parte de su obra, seguramente por razones personales:

"La esposa del artista, Catherine Duschesne, murió a edad temprana y lo dejó con dos niñas y un varón, lo colocó en el aprieto de afrontar la educación de las criaturas. El muchacho murió en un accidente y las dos niñas fueron a dar al convento de Port-Royal de Champs por recomendación de una influyente amistad de la corte". ^[]​

Es por esa razón que ha dejado una galería de retratos vinculados a los temas que interesaron o identificaron a la Abadía, tales como el retrato de Saint-Cyran, El Buen Pastor, Los Peregrinos de Emaús, San Juan Bautista, Cristo en la Cruz, San Carlos de Borromeo y Ex-voto una obra compuesta "en homenaje y agradecimiento a la Madre Angélica", que al parecer acompañó a la hija de Chaimpaigne, sor Catherine, durante un prolongado episodio de parálisis.

Philippe de Champaigne sirvió no sólo a la reina viuda Maria de Médicis, sino también al Cardenal Richelieu, a quien retrató en once pinturas, y además intervino en su residencia parisina, el Palais Cardinal (actual Palais Royal). Fue un autor productivo: realizó decoraciones en la capilla de La Sorbona, en varios conventos, y pintó asimismo obras para la catedral de Notre Dame. Intervino además en la decoración del Palacio de las Tullerías, bajo la dirección de Charles Le Brun. Precisamente Le Brun fue el causante de su relativo declive final; Champaigne se quedó anticuado ante el barroco más expansivo de Le Brun.

Fue uno de los miembros fundadores de la Real Academia de Pintura y Escultura en 1648, y en 1655 se hizo profesor de la misma. Sus conferencias sobre pinturas de Tiziano se enmarcan en la pugna estética que se vivía en la pintura francesa, entre el clasicismo que daba prioridad al dibujo y el colorismo más afín a Tiziano y la pintura veneciana.

Retrato de Arnauld d'Andilly, pintado por Philippe de Champaigne.

Sus composiciones son simétricas, con sofisticados drapeados y colores frescos (azul intenso, rosa).

Su Autorretrato de 1668 (hoy perdido) alcanzó difusión gracias a un grabado de Gérard Edelinck (1676), que éste consideraba su mejor plancha.

En España el Museo del Prado conserva un retrato de su mano: Luis XIII, rey de Francia.

PINTOR FRANCÉS DE ESTILO NAÏVE

André Bauchant (Chateau-Renault, 24 de abril de 1873 - Montoire, el 12 de agosto de 1958) fue un pintor francés de estilo naïve cuyas composiciones estaban a menudo informadas por la mitología y la historia clásica. Autor de cuadros mitológicos y de historia, pintó paisajes de carácter ingenuista y rico colorido. Por encargo de Diágilev realizó en 1928 los decorados y figurines para el Apolo Musageta de Igor Stravinski. Al principio trabajó como jardinero de mercado, por su padre, antes de servir en la Primera Guerra Mundial. Más tarde trabajó como trazador de mapas antes de inclinarse por una carrera como artista.

PINTOR, POETA, MÚSICA Y DIBUJANTE ESTADOUNIDENSE

Jean-Michel Basquiat (Brooklyn, Nueva York; 22 de diciembre de 1960 - Manhattan, Nueva York; 12 de agosto de 1988) fue un artista, poeta, músico, dibujante y pintor estadounidense.

Basquiat fue el primero de los tres hijos de Matilde Andrades (28-7-1934 – 17-11-2008)^[1]​ y Gerard Basquiat (nacido en 1930).^[]Tuvo dos hermanas, Lisane, nacida en 1964, y Jeanine, nacida en 1967.^[]

Su padre, Gerard Basquiat, era un contable haitiano de respetable solvencia económica, y su madre, Matilde, era una diseñadora gráfica puertorriqueña de gran prestigio profesional. Jean Michel creció en un entorno familiar desgarrado, sus padres se divorciaron y por esta situación tuvo que cambiar muchas veces de escuela. Estudió en una escuela católica privada, posteriormente en una escuela pública y finalmente, a los 16 años, ingresó en la City-As-School, centro escolar para adolescentes superdotados, de donde lo expulsaron, por rebeldía, un año antes de graduarse.

Ya en su juventud entró en contacto con la subcultura de la gran ciudad, relacionada con el uso de drogas y las bandas callejeras. En 1977, junto con Al Díaz, se introdujo en el mundo del graffiti, pintando en los vagones del metro y por las zonas del SoHo, barrio neoyorquino donde proliferan las galerías de arte.

Al año siguiente dejó la escuela un curso antes de graduarse en bachillerato y abandonó su casa para vivir durante dos años en las calles, en edificios abandonados o con sus amigos en el Low Manhattan, sobreviviendo con la venta de postales y de camisetas que él mismo decoraba. Seguía dedicándose al graffiti, sus pintadas y escritos tenían mucha carga poética y filosófica, pero sobre todo satírica. El pseudónimo de su álter ego compartido con Al Díaz (SAMO son las siglas de SAMe Old shit, es decir, "la misma mierda de siempre", "la misma porquería"), con el que ambos firmaban sus tags y graffitis, con mensajes crípticos, fue decisivo en su vida.

Estos murales llevaban inscripciones como “SAMO salva idiotas” o “SAMO pone fin al lavado de cerebro religioso, la política de la nada y la falsa filosofía”. Un artículo sobre la escritura callejera de SAMO publicado en The Village Voice fue el primer indicio de que el mundo del arte se interesaba por él.

Tres etapas

En la corta pero intensa actividad pictórica de Basquiat pueden distinguirse tres etapas:

1.  De 1980 a 1982, época en la que los graffiti sígnicos se mezclan con visiones callejeras y formas simbólicas de tradiciones culturales primitivas, como máscaras, esqueletos y calaveras.

2.  De 1982 a 1985, con obras pobladas de palabras-conceptos, imágenes vudú, totémicas y arcaizantes, retratos-homenajes a héroes negros -músicos de jazz, escritores, jugadores de baloncesto, boxeadores- y referencias a la sociedad de consumo norteamericana.

3.  De 1986 a 1988, período con cuadros cada vez más sofisticados en sus contenidos y en su compleja figuración pictórica, resuelta ésta con múltiples y fragmentarias citas de culturas primitivas o antiguas (africana, azteca, egipcia, grecorromana, etc.), pero también de la tradición pictórica europea.

Como él mismo afirmó en más de una ocasión, su trabajo estuvo más cerca de la pintura, una pintura a mitad de camino entre la abstracción gestual y cálida y la figuración post-pop que del graffiti (“Mi trabajo no tiene nada que ver con los graffiti. Forma parte de la pintura. Yo siempre he pintado.”).

Su importancia en la historia del arte

Su preocupación por transmitir en su pintura la problemática de doble pertenencia a minorías étnicas, la afroamericana y la latina, si bien es elemento recurrente de su narración pictórica, nunca se sometió a intencionalidades mensajísticas condicionadoras. El crítico británico Edward Lucie Smith sostiene: “El más celebrado artista negro de los ochenta, Jean-Michel Basquiat, utiliza con frecuencia la imaginería 'negra', pero al mismo tiempo siempre demuestra su ansiedad por someterla a claros acentos de universalidad.” También precisa que “su intención no era tanto construir una capillita más para la cultura afroamericana, sino competir en igualdad de condiciones con su mentor Andy Warhol.” Por su parte, el teórico alemán Klaus Honnef afirma: “Sea casualidad o no, si se pasan por alto las significativas alusiones a la existencia social de los negros en los Estados Unidos y la furia considerable de sus cuadros, se podría llegar a la conclusión de que las pinturas y los dibujos de Basquiat están enraizados en la estética francesa, y no en los graffiti de Nueva York”.

Por su parte, Irving Sandler sostiene que Basquiat, quien desde 1980 hasta su muerte alcanzó un éxito y notoriedad nada comunes, al igual que unos años antes había hecho su “padrino” Andy Warhol, se convirtió en prototipo del genio romántico, atractivo, rebelde, hip y salvaje y, a la vez, en el profesional ansioso de celebridad y dinero, en la última de las estrellas del universo rutilante de Andy Warhol.

La leyenda del niño salvaje, tras su muerte, será tocada y retocada hasta hacer casi imposible la distinción entre realidad y fabulación. Por ejemplo, el afán de ser el primero en descubrir, quizás inventar, al nuevo genio pictórico de la década, transforma a Diego Cortez en improvisado e inspirado promotor de la mítica historia de Jean-Michel Basquiat. Cortez alaba su primitivismo, la pureza casi arcaica, el vigor expresivo y otros varios clichés del repertorio previsible cuando de artistas afroamericanos se trata, especialmente con el graffiti.

El mánager, crítico de arte y poeta Rene Ricard le vaticina: “Haré de ti una estrella.” Y profetiza: “Nadie querrá ser parte de una generación que ignora a otro van Gogh”. El artista posee algunos rasgos, que ya hemos comentado, que constituyen una plataforma excelente a la hora de dejar despegar imaginaciones exuberantes: joven, pobre (por lo menos durante algunos años y por propia decisión), negro y de ascendencia latina, presuntamente vinculado al mundo de las bandas, con un pasado reciente de frenético y contestatario graffitero, proveniente de una innominada y patética zona de Brooklyn.

El mercado levantará su nombre como contraposición orgullosamente antiintelectual a Keith Haring, artista post-pop de raíces grafiteras, aunque con una sólida formación artística. Basquiat solo atravesó fugazmente algunas escuelas de arte, conducta varias veces ponderada como virtud.

Su temprana muerte marcará la definitiva consagración del mito. De alguna manera Basquiat decidió la brevedad de su vida. “Yo sé que algún día voy a dar vuelta a la esquina y voy a estar preparado para eso”, dijo alguna de las pocas veces que habló sobre sí mismo, sobre su existencia. “Eso” era una muerte buscada desde la adolescencia, idea que de alguna manera nunca abandonó, a través de un carácter obsesivamente autodestructivo. “Nunca sé demasiado bien si estoy vivo. De todos modos no me preocupa demasiado: creo que soy inmortal” dijo a una de sus parejas, Jennifer Goode. La idea de su inmortalidad reaparecía como pretexto cada vez que un Warhol paternal le recriminaba el abuso de las drogas: “No te preocupes, soy inmortal”.

El artista chicano Benny Dalmau y el transvanguardista italiano Francesco Clemente coinciden en afirmar que sólo cuando pintaba Basquiat parecía animado por una vitalidad tan incontenible como inesperada.

Su muerte

En 1986 Basquiat viaja a África y expone en Abiyán (Costa de Marfil). En noviembre de ese mismo año realiza una gran exposición (más de 80 obras) en el Museo Kestner-Gesellschaft de Hanóver, convirtiéndose, con 25 años, en el artista más joven que exhibe en ese museo. En 1988 se instalan exposiciones en París y Nueva York, y en abril de ese mismo año trata de abandonar sus adicciones y se retira a su casa de Hawái. Vuelve a Nueva York en junio, anunciando que se ha liberado de las adicciones, pero el 12 de agosto de 1988, a los 27 años, muere por sobredosis de heroína, siendo el artista visual negro más exitoso en la historia del arte afroamericano.

A lo largo de su breve pero intensa carrera artística realizaría más de 40 exposiciones personales y participaría en alrededor de 100 colectivas. La autopromoción y el reclamo publicitario fueron para Basquiat factores prioritarios, como con anterioridad lo habían sido para Andy Warhol o para Julian Schnabel.

El neoexpresionismo se fue imponiendo al apropiacionismo, en parte gracias a la pujanza económica que elevó a altas cotas el precio del arte y, especialmente, de la pintura, y en parte gracias al apoyo de galeristas y coleccionistas. La crítica, sin embargo, no fue unánime en su valoración, y fue habitual la denuncia de la falta de base teórica del discurso neoexpresionista. Se afirmó que el arte que practicaban los neoexpresionistas carecía de cualquier significado político o social, era sólo mercancía y, por tanto, objeto de los vaivenes y fluctuaciones del mercado. La pintura neoexpresionista quedaba reducida a un producto de consumo y, como tal, a un hecho creativamente descalificado y vulgar.

ESCRITOR URUGUAYO


2004.- El escritor uruguayo Mario Benedetti es galardonado con la medalla acuñada por el gobierno de Chile para conmemorar el centenario del natalicio del poeta Pablo Neruda, Nobel de Literatura 1971.

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