miércoles, 12 de julio de 2017

DIARIO HELÉNICO: EFEMÉRIDES 12 DE JULIO. DÍA DEL ABOGADO.


En México se celebra el Día del Abogado, Felicidades!





El 12 de julio es el 193.º (centésimo nonagésimo tercer) día del año en el calendario gregoriano y el 194.º en los años bisiestos. Quedan 172 días para finalizar el año.




·                    Día de la Independencia
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PINTOR FRANCÉS, PAISAJISTA

Eugène Boudin (Honfleur, 12 de julio de 1824-Deauville, 8 de agosto de 1898) fue uno de los primeros paisajistas franceses en pintar al aire libre. La mayoría de su obra son paisajes marinos que ganaron los elogios tanto de Charles Baudelaire como de Camille Corot.

Nació en Honfleur, Normandía y era hijo de un piloto de buques. Trabajó como ayudante de a bordo en los viajes entre Le Havre y Honfleur, por el estuario del río Sena. Cuando su padre abandonó este trabajo, Eugène tampoco prosiguió ya que no tenía una verdadera vocación.

En 1835 su familia se mudó a Le Havre, en donde su padre puso una papelería y hacía marcos para cuadros. Él comenzó a trabajar como asistente en un negocio similar antes de abrir el suyo. Allí entró en contacto con artistas que trabajaban en la zona y exhibían sus obras en el negocio, entre ellos Constant Troyon y Jean-François Millet, quienes junto con Eugène Isabey y Thomas Couture alentaron al joven Boudin a seguir una carrera artística.

A la edad de 22 años Eugène abandonó el mundo del comercio y comenzó a pintar como actividad principal. Al año siguiente viajó a París y luego a Flandes. En 1850 ganó una beca que le permitió mudarse a París, aunque retornaba a Normandía con regularidad para pintar y, a partir de 1855, hizo viajes regulares a Bretaña.

Los maestros holandeses del siglo XVII le influyeron profundamente, y en reuniones con el pintor holandés Johan Jongkind, quien ya era conocido en los círculos artísticos franceses, Boudin fue aconsejado por su nuevo amigo que pintara al aire libre (en plein air). El también trabajó con Troyon y Isabey, y en 1859 conoció a Gustave Courbet, quien le presentó a Charles Baudelaire, el primer crítico en atraer la atención del público hacia el talento de Boudin, cuando el artista hizo su debut en el Salón de París en el año 1859.

En 1857 Boudin conoció a Claude Monet. A Monet no le gustaban sus cuadros y rechazó una oferta para conocer a Boudin hecha por el mercader. Sin embargo en una ocasión, al entrar a la tienda de marcos, Monet no se percató que Boudin se encontraba presente y el comerciante aprovechó la oportunidad para presentarle a Boudin al dibujante de las caricaturas. El pintor alabó el talento de Monet y le aconsejó no limitarse al dibujo y que pintase paisajes. A partir de ahí trabajaron juntos durante varios meses en el estudio de Boudin. Los dos fueron amigos de por vida, y después Monet rindió homenaje a la influencia temprana de Boudin. Boudin junto con Monet y sus amigos se reunieron para hacer la primera muestra impresionista en 1874, pero nunca se consideró a sí mismo como un innovador.

La creciente reputación de Boudin le permitió viajar mucho en la década de 1870. Visitó Bélgica, los Países Bajos, y el sur de Francia, y entre 1892 y 1895 hizo viajes regulares a Venecia. Continuó exhibiendo en los salones parisinos, y recibió una medalla por el tercer lugar en el Salón de París de 1881 y una medalla de oro en la Exposition Universelle de 1889. En 1892 Boudin fue nombrado caballero de la Légion d'honneur, una especie de reconocimiento tardío a su talento e influencia en el arte de sus contemporáneos.




MÉDICO CANADIENSE



William Osler

Nació en Bond Head, Canadá oeste (ahora Ontario) y estudió en la Universidad McGill en Montreal, Quebec donde obtuvo la licenciatura en Medicina. Posteriormente fue profesor en la Universidad de Pennsylvania y Jefe de Medicina Clínica en dicha universidad. En 1889 fue el primer profesor de Medicina de la Universidad Johns Hopkins. En 1905 se traslada a Inglaterra, permaneciendo en Oxford hasta su muerte. Fue nombrado Sir en 1911 por sus grandes contribuciones en el campo de la medicina .
Osler fue un gran colecccionista de libros de Historia de la medicina. Después de su muerte su colección formó la parte principal de la Biblioteca de Historia de la Medicina de la Universidad McGill, que fue fundada en 1929.

 Distintas enfermedades y síntomas llevan el nombre de Osler:
  • Nódulos de Osler subcutáneos, dolorosos secundarios a endocarditis.

  • Enfermedad de Rendu-Osler-Weber (también conocida como telangiectasia hemorrágica hereditaria), es un síndrome con múltiples malformaciones vasculares en la piel, en la mucosa nasal y oral, y también con formación de fistulas pulmonares.
  • Filaria de Osler: un parásito nemátodo.

  • Síndrome de Osler dolores cólicos recurrentes con típica irradiación a espalda. Debido litiasis de la ampolla de Vater.
  • Oslerus osleri (Filaroides osleri) Nemátodo que parasita la carina traqueal de los cánidos, produciendo bronquitis vermino.
  • Enfermedad de Vaquez-Osler o Policitemia Vera Enfermedad mieloproliferativa maligna, crónica y Epo independiente.

Osler, por las necesidades detectadas para el ejército durante la primera guerra mundial, solicitó a la fisióloga y patóloga Edith Claypole que buscara una inmunización a la tifoides. y aunque se vacunó, terminó muriendo por la exposición al patógeno.




MÉDICO, MICÓLOGO, BACTERIÓLOGO E INMUNÓLO FRANCÉS

        Léon Charles Albert Calmette ( * 12 de julio de 1863 – 29 de octubre de 1933) fue un médico, micólogo, bacteriólogo e inmunólogo francés, y un importante asistente del Instituto Pasteur. Fue el descubridor del bacilo de Calmette-Guerin, una forma atenuada del Mycobacterium empleada en la vacuna contra la tuberculosis. También desarrolló la primera antitoxina contra veneno de serpiente: el suero de Calmette.

Nació en Niza, Francia. Quiso servir en la marina como médico, así que en 1881 se unió a la Escuela Naval de Médicos, en Brest. Comenzó sus servicios en 1883 en el Cuerpo Médico Naval en Hong Kong, donde estudió la malaria y obtuvo su doctorado en 1886 con una tesis sobre esta enfermedad. Fue asignado a Saint-Pierre y Miquelon, a donde llegó en 1887. Posteriormente serviría en África occidental, en Gabón y Congo, donde contrajo malaria, enfermedad del sueño y pelagra.
Tras su regreso a Francia en 1890, Calmette conoció a Louis Pasteur (1822-1895) y a Emile Roux (1853-1933), su profesor en un curso de bacteriología. Entró a su servicio y el propio Pasteur le encargó fundar y dirigir una oficina del Instituto Pasteur en Saigon (Indochina), en 1891. Allí se dedicó al incipiente campo de la toxicología, que tenía importantes conexiones con la inmunología, y estudió el veneno de serpiente y de abeja, venenos vegetales y el curare. También organizó la producción de vacunas contra la viruela y la rabia y avanzó en el estudio del cólera y los procesos de fermentación de la comida, del opio y del arroz.



En 1894, regresó de nuevo a Francia y desarrolló el primer suero contra el veneno de serpiente, usando suero de caballos inmunizados. (suero de Calmette).
También participó en el desarrollo del primer suero inmunizante contra la peste bubónica, en colaboración con el descubridor de su agente etiológico (Yersinia pestis), el bacteriólogo suizo Alexandre Yersin (1863-1943), y viajó a Portugal para estudiar y ayudar en la lucha contra un brote epidémico en Oporto.

En 1895, Roux le confió la dirección de la Oficina del Instituto Pasteur en Lille, donde continuaría su labor durante los siguientes 25 años. En 1909, contribuyó a fundar la oficina del Instituto en Argel, (Argelia). En 1901, funda el primer dispensario antituberculoso en Lille, bautizándolo posteriormente como dispensario Emile Roux. En 1904, fundó la "Ligue du Nord contre la Tuberculose" (Liga del Norte contra la Tuberculosis), que aún existe hoy en día. En 1918, aceptó el puesto de Director Asistente del Instituto en París.
Investigación en tuberculosis
 El principal trabajo científico de Calmette, que le colocaría entre las figuras más importantes de la historia de la medicina fue el intento de desarrollar una vacuna contra la tuberculosis, la enfermedad más importante de su época.

 El microbiólogo alemán Robert Koch había descubierto, en 1882, que el bacilo tuberculoso (Mycobacterium tuberculosis) era su agente causal y Louis Pasteur se interesó enseguida por ese descubrimiento. En 1906, un veterinario e inmunólogo llamado Camille Guérin, había establecido que la inmunidad frente a la tuberculosis estaba en relación con la presencia del bacilo en la sangre.

Usando el método de Pasteur Calmette investigó cómo podía desarrollar una variante atenuada del bacilo para poder inyectarlo en animales. Esta preparación recibió el nombre de sus descubridores (Bacillum Calmette-Guérin, o, abreviado, BCG). La atenuación se conseguía cultivando el bacilo en un sustrato que contenía bilis, basándose en una idea aportada por un investigador noruego, Kristian Feyer Andvord (1855-1934).

Desde 1908 a 1921, Guérin y Calmette se esforzaron por producir cepas cada vez menos virulentas del bacilo. Finalmente, en 1921, consiguieron usar un concentrado de BCG para vacunar con éxito a recién nacidos en la Charité de Paris.

      El programa de vacunación, sin embargo, sufrió un importante revés cuando 72 niños vacunados desarrollaron tuberculosis en 1930, en Lübeck, Alemania, debido a la contaminación de algunas remesas. La vacunación masiva de niños se introduciría en muchos países a partir de 1932, cuando las nuevas técnicas, más seguras, de producción, permitieron una importante reducción del riesgo. Sin embargo, ese episodio afectará profundamente a Calmette, muriendo un año después en su casa de Paris.
      Su hermano, Gaston Calmette (1858-1914), fue editor de Le Figaro, quien murió asesinado en 1914 por Henriette Caillaux, la mujer socialista del ministro de Economía, Joseph Caillaux.





FÍSICO ALEMÁN
      Paul Karl Ludwig Drude (* 12 de julio de 1863 en Braunschweig, Alemania; † 5 de julio de 1906 en Berlín, Alemania) fue un físico alemán especializado en óptica. Es el autor de un libro de texto fundamental donde integra la óptica con las teorías de Maxwell sobre electromagnetismo. Fue el hermano menor del botánico Carl Georg Oscar Drude.
Drude hizo sus estudios de matemáticas en la Universidad de Gotinga, pero se cambió a física. Su doctorado, que trata de la reflexión y la difracción de la luz en cristales, lo concluyó en 1887, bajo la asesoría del Prof. Woldemar Voigt.
Carrera


En 1894 Drude obtuvo el profesorado extraordinario en la Universidad de Leipzig, en el mismo año se casa con Emilie Regelsberger, la hija de un abogado de Gotinga. Tuvieron cuatro hijos. En 1900 llegó a ser el editor de la revista científica alemana Annalen der Physik, el órgano de difusión de física más respetado de su época.


Drude se graduó el año en que Heinrich Hertz inició las publicaciones de sus descubrimientos de sus experimentos de las teorías electromagnéticas de James Clerk Maxwell. Entonces inició su carrera en el tiempo que las teorías de Maxwell fueron introducidas en Alemania.[ Sus primeros experimentos fueron las determinaciones de las constantes ópticas de varios sólidos medidas con niveles de exactitud

sin
precedencia. Drude trabajó después para derivar las relaciones entre la óptica y las constantes eléctricas y la estructura física de las substancias. En 1894 introdujo el símbolo "c" para la velocidad de la luz en un vacío perfecto.
De 1900 a 1905 fue profesor ordinario de física en la Universidad de Giessen (Hesse). En 1905 es nombrado director del Instituto de Física de la Universidad de Berlín. En 1906, en la cima de su carrera a los 43 años de edad, es nombrado miembro de la famosa Academia Prusiana de Ciencias. A los pocos días de su cátedra inaugural, y por razones inexplicables, cometió suicidio, dejando esposa y cuatro hijos.

Las investigaciones de Drude lo hicieron líder de la electrodinámica en Alemania. Sus numerosas contribuciones, en particular en la teoría de metales, marca la transición de la física clásica a la física moderna y su carrera refleja claramente la modernización institucional de la ciencia.





PINTOR ESPAÑOL, RETRATISTA Y PAISAJISTA

[Juan José Gárate y Clavero (Albalate del Arzobispo, Teruel, 11 de julio de 1869[– Madrid, 3 de julio de 1939) fue un pintor español de origen aragonés, que matizó su obra con pinturas de costumbres, retratos y paisajes. Fue conservador del Museo de Zaragoza.[En su juventud se matrícula en la Escuela de Bellas Artes de Zaragoza donde con apenas doce años dibuja a lápiz un retrato de Alfonso XII, cuando éste vino a la inauguración del ferrocarril de Canfranc. Como pintor regionalista, resaltó de forma luminosa y cariñosa los paisajes y rincones así como las costumbres típicas aragonesas.


En 1884 el Ayuntamiento de Zaragoza y la Diputación de Teruel acuerdan concederle dos pensiones de 450 pesetas anuales, lo que le facilita el acceder a la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid. Dos años más tarde, en 1886, la Diputación de Teruel reconoce su trabajo y le concede una pensión de 4.000 pesetas anuales durante cuatro años, para que continúe sus estudios en Madrid, que pasarán por el Museo Nacional de Pintura. Tras su paso por estas instituciones el mismo Gárate solicita una pensión para continuar sus estudios durante dos años en la Academia Española de Bellas Artes de Roma. Dicha pensión se le concede, al presentar la obra La muerte de Diego Marcilla, y comienza a estudiar en esta escuela poco tiempo después, siendo discípulo de Francisco Pradilla y Ortiz
A partir de 1895 la carrera de Gárate comienza a ser reconocida internacionalmente obteniendo varias medallas en la Exposición General de Bellas Artes en Berlín y en la Exposición Universal de París (1905). Obtiene del mismo modo el Gran diploma de honor en la Exposición Hispano-Francesa de 1908 en Zaragoza y la Medalla de oro de la Exposición Nacional de Panamá 1916.

·       Dos años después la Diputación de Zaragoza decide nombrarle profesor de Colorido y Composición de los estudios superiores en la Academia de Bellas Artes y en 1909 es confirmado como profesor especial interino de Concepto del Arte e Historia de las Artes Decorativas de la Escuela Superior de Artes e Industrias de Zaragoza.
A partir de 1911 tras sus nuemerosos viajes a Alemania e Italia, se instala finalmente en Madrid, donde expone con una gran repercusión regularmente obteniendo reconocimiento público y siendo sus lienzos publicados en varios medios, para los que en alguna ocasión también él firma artículos.
El rey compra la obra Copla Alusiva, premiado con segunda medalla en la Exposición Nacional de Bellas Artes de 1904, con destino al museo de Arte Moderno. En su cuadro Canal de Venecia (1911-1912), está representada una dama, su esposa Gloria López Manzanares, sobre una góndola.[
]Juan José Gárate muere atropellado por un tranvía en Madrid, el 3 de julio de 1939.
Cultivó con reiterada facilidad el tema regional en su versión más costumbrista y el paisaje de rincones típicos y embellecedores de todo Aragón, interpretados con vibrantes efectos luminosos y abundantes empastes, a veces estridentes, que recuerdan el estilo paisajístico de Muñoz Degrain. En el género del retrato, individual o colectivo, destaca su cuadro Vista de Zaragoza (1908).

PINTOR Y ESCULTOR ITALIANO, RETRATOS Y DESNUDOS

        Amedeo Clemente Modigliani (Livorno; 12 de julio de 1884-París; 24 de enero de 1920) fue un pintor y escultor italiano, quien trabajó principalmente en Francia. Es conocido por sus retratos y desnudos en un estilo que se caracterizaba por el alargamiento de los rostros y las figuras, lo cual no fue bien acogido durante su vida, pero que logró gran aceptación posteriormente. Pasó su juventud en Italia donde estudió el arte de la antigüedad y el Renacimiento. A los 22 años, en 1906, se mudó a París donde entró en contacto con prominentes artistas, tales como Pablo Picasso y  Constantin Brâncuși.
La obra de Modigliani es profusa en pinturas y dibujos, si bien desde 1909 a 1914 se dedicó principalmente a la escultura. Durante su vida tuvo poco éxito y no fue sino posteriormente que su obra fue apreciada logrando sus trabajos un alto precio. Murió a los 35 años de una meningitis ocasionada por tuberculosis.
Nació en una familia judía sefardí en Livorno, Italia, una ciudad portuaria que servía como refugio de aquellos perseguidos por su religión y contaba con una amplia comunidad judía. Fue el cuarto hijo de Eugenia Garsin, una francesa nativa de Marsella, descendiente de una familia intelectual y erudita de origen sefardita. Hablaba fluidamente varios idiomas. Sus ancestros fueron expertos en los textos sagrados judíos y fundaron una escuela de estudio del Talmud. El linaje de la familia alcanza al filósofo holandés del siglo XVII, Baruch Spinoza. La familia manejaba una agencia de crédito con sucursales en Marsella, Túnez y Londres, aunque el negocio tenía sus alzas y sus bajas.
               Su padre, Flaminio Modigliani, nació en Roma (sus hermanos mayores eran Giuseppe Emanuele, Margherita e Umberto). El padre de Amedeo se dedicaba al préstamo, pero era mal negociante. Prestaba atendiendo más a las necesidades que a las garantías de sus clientes y, muy pronto, debió recurrir él mismo a otros acreedores.
              Así como Flaminio Modigliani era benevolente con sus clientes, sus acreedores fueron inflexibles. Eugenia estaba embarazada de Amedeo cuando los oficiales de la justicia se presentaron en su casa. Una vieja ley italiana sirvió para dar un respiro a la familia: todos los objetos que estuvieran sobre la cama de una mujer embarazada eran intocables. Flaminio y Eugenia acumularon en su cama de matrimonio todas las joyas y objetos de algún valor que aún poseían. Esa pequeña fortuna les sirvió para instalarse en una casa más modesta y tratar de comenzar una nueva vida.

          Flaminio se alejó de Livorno para probar suerte en la minería. Eugenia abrió una escuela de lenguas para señoritas, a la vez que se dedicaba a escribir cuentos y artículos literarios para algunos periódicos. Mientras tanto, criaba a sus cuatro hijos, y así es como Modigliani pasa su infancia entre la pobreza y la enfermedad.

          A los 14 años, Amedeo ("Dedo", como lo llamaban en su familia) comenzó a asistir a clases de pintura con Guglielmo Micheli, un discípulo de Fattori, uno de los pintores del movimiento florentino conocido como los macchiaioli, un nombre que eligieron a partir de los ataques de algunos críticos que decían que pintaban con manchas ("macchie"). Poco después de comenzar sus estudios de pintura, Amedeo sufre un ataque de fiebre tifoidea y dos años más tarde una tuberculosis. En 1898, su hermano de 26 años, Emmanuele, futuro diputado del Partido Socialista Italiano, es condenado a seis meses de prisión por ser militante del movimiento anarquista.
          París: arte y desenfreno

          En 1906 se traslada a París, que es por la época el centro de la vanguardia. En el Bateau-Lavoir, un falansterio para proletarios de Montmartre, conoce a Max Jacob, Van Dongen, Picasso, Guillaume Apollinaire, Diego Rivera, Chaïm Soutine, Vicente Huidobro y otros personajes célebres. Influido en principio por Toulouse-Lautrec, Amedeo encuentra inspiración en Paul Cézanne, el cubismo y la época azul de Picasso. También es evidente la influencia que ejercen sobre él Gustav Klimt y las estampas del japonés Utamaro. Su rapidez de ejecución le hace famoso. Nunca retocaba sus cuadros, pero los que posaron para él decían que era como si hubiesen desnudado su alma.

                                         En 1909, se pasa un breve período en Livorno, enfermo y deteriorado en su salud por los excesos de su vida. Regresa a París y alquila un estudio en Montparnasse.

                         Constantin Brâncuş, conoció personalmente a Modigliani en 1909 recién mudado a su estudio de Montparnasse. Y fue a partir de este encuentro que comenzó la fase escultórica de Modigliani que se prolongó hasta 1914. Según el historiador de arte Gerhard Kolberg, las esculturas de Modigliani conjugan pretensiones idealistas y plásticas, con una realización escultórica primitiva, incluso arcaica. De hecho las figuras de Modigliani presentan una fuerte estilización que se puede apreciar en sus cabezas con cuellos largos, narices agudas y ojos representados como contornos, que son clara referencia a aquellas esculturas de los primitivos muy apreciadas por los círculos de vanguardistas de París.


Descubre el arte africano y camboyano en el Musée de l'Homme de París. Sus estatuas se reconocen por los ojos almendrados, las bocas pequeñas, las narices torcidas y los cuellos alargados. Se presentó una serie en el Salón de Otoño de 1912, pero tuvo que dejar de esculpir porque el polvo le causaba problemas de salud.

Retrató a los habituales de Montparnasse, como Soutine, Diego Rivera, Juan Gris, Max Jacob, Blaise Cendrars y Jean Cocteau

Al iniciarse la Primera Guerra Mundial, intenta alistarse, pero su precaria salud se lo impide.
                Conocido como "Modì" por sus amigos, Amedeo emana magnetismo hacia las mujeres. Tiene numerosos romances hasta que entra en su vida Beatrice Hastings, con la que mantendrá una relación tormentosa de unos dos años. Ésta le sirve de modelo en varios retratos, como "Madame Pompadour". Cuando está bajo los efectos del alcohol, es triste y violento, como muestra el dibujo de Maria Vassilieff. Sobrio, es tímido y encantador, le gusta citar a Dante Alighieri y recitar poemas del libro del conde de Lautréamont Los cantos de Maldoror (Les Chants de Maldoror) libro del que siempre tiene cerca un ejemplar.

                    El siguiente verano, la escultora ucraniana Chana Orloff le presenta a su amiga Jeanne Hébuterne, una estudiante de 18 años que había posado para Foujita. Cuando la familia burguesa de Jeanne se entera de esta relación con el que era considerado un depravado, le corta su asignación económica.


El 3 de diciembre de 1917 celebra su primera exposición, en la galería de Berthe Weill, pero horas después la autoridad la cierra por indecencia. Debido a sus problemas de salud, tiene que trasladarse a Niza con Hébuterne, que da a luz en 1919 a una hija a la que llamará Jeanne. Por sugerencia del marchante Guillaume, realiza una serie de desnudos (ahora sus obras más cotizadas), con la pretensión de venderlos a los millonarios que veranean en la Costa Azul, sin mayores éxito.  En mayo de 1919, vuelve a París, a la calle de la Grande Chaumière. Su salud se deteriora con rapidez. Tras un largo período en el que sus vecinos no sabían nada de él y después de una noche de excesos y de haber peleado con unos vándalos en la calle, le encuentran delirando en la cama a la vez que sostenía la mano de Jeanne embarazada casi de nueve meses. Lo único que puede hacer el médico es atestiguar que su estado es desesperado. Muere de meningitis tuberculosa el 24 de enero de 1920. Unos días antes había pedido el permiso al gobierno francés para contraer matrimonio con Jeanne.

 Los más importantes artistas de Montmartre y Montparnasse siguen los funerales hasta el cementerio parisino de Père-Lachaise. Jeanne Hébuterne, llevada a casa de sus padres, se suicida tirándose desde la ventana de un quinto piso después del funeral de Modigliani, embarazada por segunda vez.


            Fama póstuma


La concepción de su pintura, basada en el diseño lineal, la pureza arcaica de su escultura, y su vida romántica y llena de tribulaciones económicas y enfermedad, dieron a Modigliani una personalidad excepcional en el marco de la pintura moderna, aislada de las corrientes de gusto contemporáneo (cubismo, futurismo, dadaísmo, surrealismo) que estaban en desarrollo en el mismo período. En la actualidad Modigliani es considerado uno de los mayores artistas del siglo XX y sus obras se exponen en los principales museos del mundo.


Sus esculturas raramente han cambiado de manos y las pocas pinturas que se encuentran en el mercado, han alcanzado valores excepcionales. En 2010 en la Casa Christies de París, una de sus esculturas, Tete de Caryatide, fue vendida en la cifra récord de 43 millones de euros. En noviembre de 2015 el millonario chino Liu Yiqian adquiere su pintura Nu Couché (1917) en el remate de la casa Christies en 170,4 millones de dólares, la segunda mejor pagada en subasta en esa fecha, solo superada por Mujeres de Argel de Picasso que se había vendido en 179,3 millones de dólares en mayo de 2015.





ESCRITOR, ARTISTA GRÁFICO, PINTOR, DIBUJANTE Y CRÍTICO LITERARIO POLACO

Bruno Schulz (Drogóbich, Ucrania, 12 de julio de 1892 – íbid., 19 de noviembre de 1942) fue un escritor, artista gráfico, pintor, dibujante y crítico literario polaco de origen judío, reconocido como uno de los mayores estilistas de la prosa polaca del siglo XX.

       Schulz nació en Drohobycz, cerca de Lwów (la capital de Galitzia bajo el Imperio Austrohúngaro), en una familia de judíos asimilados. Fue el último de los hijos de Jakub Schulz, propietario de una tienda textil, y de Henrietta Kuhmärker, hija de una familia de mayoristas dedicados a la venta de madera y propietarios de un aserradero en Drohobycz. Los padres de Schulz no cultivaron tradiciones judías y en su casa hablaban solamente en polaco.

En el año 1910 supera el examen de bachillerato y es calificado con un sobresaliente. Su diploma de bachiller lleva la anotación: “Capacitado para los estudios universitarios”. Aconsejado por sus familiares, Schulz no se matricula en la facultad de Bellas Artes sino en la de Arquitectura del instituto politécnico de Lwów. A consecuencia de la enfermedad del señor Jakub, los padres venden la casa y el negocio y se trasladan a la vivienda de su hija (casada) Hanna Hoffman, a la calle Bednarska.


Schulz, una vez finalizado el primer año, y después de examinarse, interrumpe sus estudios universitarios debido a una enfermedad del corazón y los pulmones; en verano regresa a casa y más tarde ingresa como convaleciente en un sanatorio de Truskawiec.

En 1913 Schulz vuelve a Lwów y reinicia sus estudios; al año siguiente supera el examen oficial de una asignatura en la Universidad. Sus estudios se ven interrumpidos por el estallido de la I guerra mundial. Regresa a casa. Acompañado de sus familiares marcha a Viena, donde participa en los cursos de arquitectura del instituto politécnico vienés y frecuenta la Academia de Bellas Artes. Después de unos meses toda la familia vuelve a Drohobycz. El 23 de junio de 1915 muere a los 69 años el señor Jakub, padre de Schulz.

Schulz entra en contacto con el grupo “Kalleia” (Las cosas bellas), formado por jóvenes apasionados del arte, procedentes de la intelligentzia judía de Drohobycz. En los años posteriores su formación es autodidacta; lee y pinta mucho. Comienza a preparar los grabados para el ciclo Xięga bałwochwalcza (El Libro Idólatra). Después de varios intentos Schulz empieza a dar clases de dibujo en el instituto «Władysław Jagiełło», con empleo estable. Conoce a Witkacy cuando éste viene a Drohobycz para hacerle un retrato fantástico.


Entre los años 1926 y 1931 participa en diversas exposiciones de dibujos, grabados y pinturas al óleo (Truskawiec, Lwów, Cracovia). Viaja a Varsovia, y por mediación de sus amigos conoce a Zofia Nałkowska, que tras leer sus escritos se convierte en gran protectora de su obra. En diciembre publica su primer relato titulado Los pájaros en «Wiadomości Literackie» ; al mismo tiempo la editorial «Rój» publica Las tiendas de canela fina.

Su obra Las tiendas de canela fina es muy bien acogida por Nałkowska, Witkacy, Berent, Miriam, Przasnycki, Staff, Tuwim y Wittlin. Mantiene contactos con Witkacy, los inicia con Gombrowicz y Wittlin. Se publican en las revistas literarias sus relatos: El segundo otoño («Kamena»), La noche de Julio («Sygnały»), y La época genial («Wiadomości Literackie»).

En 1935 muere en Lwów Izydor Schulz, hermano mayor de Bruno. Desde entonces, Bruno tiene que hacerse cargo de toda la familia. Con su novia Józefina Szelińska se dedican a traducir juntos El proceso de Franz Kafka. En la revista «Pion» se publica el ensayo de Witkacy titulado “Twórczość literacka Brunona Schulza” (La obra literaria de Bruno Schulz), y en «Tygodnik Ilustrowany» aparece “Wywiad z Brunonem Schulzem” (Entrevista con Bruno Schulz). En las revistas literarias se publican sus relatos: El libro («Skamander»), Dodo («Tygodnik Ilustrowany»), un fragmento de La primavera («Kamena»), El sanatorio de la clepsidra («Wiadomości Literackie»), Edzio («Tygodnik Ilustrowany»), El jubilado («Wiadomości Literackie»). Y algunos ensayos: A Stanisław Ignacy Witkiewicz («Tygodnik Ilustrowany»), Así nacen las leyendas («T. Ilustrowany»). La editorial «Rój» publica la traducción de El proceso, de Kafka, firmada por Schulz. El escritor prepara el segundo volumen de sus relatos bajo el título El sanatorio de la clepsidra.

Inicia una colaboración fija con la revista literaria «Wiadomości Literackie»; Schulz hace reseñas para ese semanario. En la prensa literaria aparecen sus textos críticos y relatos: De mí mismo (revista «Studio»), este relato aparece en la obra El sanatorio de la clepsidra con el título La soledad; La última escapada de mi padre y La estación muerta (ambos en «Wiadomości Literackie»), y también las cartas abiertas a Gombrowicz en la revista «Studio». Escribe en idioma alemán un relato de 30 páginas: Die Heimkehr, de tema similar a El sanatorio de la clepsidra, con el fin de interesar con su obra a las editoriales alemanas. La editorial «Rój» publica en 1937 El sanatorio de la clepsidra. En las revistas literarias aparecen numerosas reseñas hechas por Schulz.

En el verano de 1938 Schulz viaja a París vía Italia (para evitar atravesar el territorio del Tercer Reich). Schulz lleva consigo cerca de 100 dibujos pero no llega a exponerlos, pues en esa época de vacaciones no encuentra a nadie que pueda ayudarle a dar a conocer su obra. En otoño se le concede el premio «Złoty Wawrzyn Polskiej Akademii Literatury» (Laurel de Oro de la Academia Polaca de Literatura). Durante ese año publica los relatos El cometa («Wiadomości Literackie») y La patria («Sygnały»), el ensayo sobre Ferydurke de Gombrowicz en («Skamander») y un folletín sobre Egga van Haardt («Tygodnik Ilustrowany»), modificado por ella sin consentimiento del autor. Schulz sufre de depresión psíquica a causa de sus problemas personales, de la situación política y el creciente antisemitismo, y también por el duro trabajo en la escuela.

1 de septiembre de 1939: Alemania invade Polonia y el 11 de septiembre el ejército alemán entra en Drohobycz y lleva a cabo los primeros actos de criminalidad contra los judíos. 17 de septiembre: entra el ejército ruso en Drohobycz. 24 de septiembre: los alemanes se retiran de Drohobycz dejando esos territorios al ejército de la URSS. Schulz sigue enseñando en las mismas escuelas bajo mando ruso. Mientras tanto participa en una exposición de pintura en la Asociación de Artistas Plásticos de Lwów. 22 de junio de 1941: Alemania invade a la URSS. 1 de julio: el ejército alemán ocupa por segunda vez Drohobycz. Cierran las escuelas. Schulz pierde el trabajo. Comienzan las represalias contra los judíos. Todos los judíos de 16 a 65 años de edad son obligados a trabajar para los alemanes. Leyes draconianas introducen el trabajo forzado y dejan a los judíos fuera de la sociedad. Comienza la exterminación de los judíos y expoliación de sus bienes.

Schulz está bajo la “protección” del oficial de la SS Feliks Landau, quien se aprovecha de sus cualidades de pintor. Hace murales en las paredes de la habitación del hijo pequeño de Landau, en la “Reitschule” y en el casino de la Gestapo. Acto seguido trasladan a los judíos al gueto. Schulz con sus familiares es desplazado a una casa en ruinas de la calle Stolarska 18. Empieza a guardar sus manuscritos y dibujos en varias cajas y se las entrega a sus amigos de fuera del gueto. Enferma. Intenta recuperarse en un ambulatorio judío. Está desnutrido y sufre una profunda depresión. Consigue papeles falsos con ayuda de sus amigos de Varsovia. Pretende escapar. Prepara su huida de Drohobycz. Con el apoyo de la «Judenrat» trabaja durante unos meses catalogando las bibliotecas polacas confiscadas por los soviéticos y después por los alemanes.

19 de noviembre de 1942: Schulz intenta escapar de Drohobycz con papeles falsos y la ayuda económica de sus amigos. Hacía las 11 de la mañana se dirige a la «Judenrat» para recoger su ración de alimentos y coincide con una «acción salvaje» de la Gestapo contra los judíos. Muere asesinado de un disparo, ejecutado por Karl Günter, miembro de la Gestapo y antagonista de Landau.

Tras su muerte

La segunda guerra mundial no sólo decidió sobre la vida de Schulz, sino que también resultó una experiencia cruel y destructiva para su creación. Han sido Artur Sandauer y Jerzy Ficowski los primeros en proyectar la obra de Schulz universalmente.

En los años cincuenta Sandauer publicó un esbozo titulado La realidad degradada (Tratado sobre la prosa de Bruno Schulz), que por mucho tiempo marcó una forma de interpretar los relatos de Schulz. Es éste un texto brillante que presenta a Schulz como rapsoda de varias derrotas: derrota de la jerarquía del antiguo comercio, derrota de la raza judía, derrota erótica del hombre.


Ficowski dedicó toda su vida a reunir documentación, buscar manuscritos y dibujos desconocidos hasta entonces, reconstruir la biografía del escritor basándose en las conversaciones con los pocos amigos que sobrevivieron a la guerra y con los escasos familiares de Schulz. Es autor del primer libro biográfico sobre Schulz: Regiony wielkiej herezji (Regiones de la gran herejía) Se trata de un libro muy especial, porque cada reedición del mismo contiene nuevas informaciones, precisiones o modificaciones. El investigador de la vida literaria de Schulz tiene que sacrificarse para conocerla, antes tiene que encontrar una huella, relacionada con los datos ya existentes y en muchos casos recopilar y reconstruir esos “descubrimientos”. Ficowski no se limitó a escribir las Regiones de la gran herejía; a continuación escribió un revelador ensayo titulado Sobre Las tiendas de canela fina, y cuidó con el mayor esmero las ediciones de la Correspondencia y El libro idólatra, e igualmente un breve texto titulado Cartas y fragmentos. Recuerdos sobre el escritor.

Actualmente, los más destacados investigadores de la obra de Schulz son: Jerzy Jarzębski, Władysław Panas, Stefan Chwin, Włodzimierz Bolecki, Stanisław Rosiek, Henri Lewi, Shalom Lindenbaum, Jan Bloński y Eugenia Prokopiec-Janiec.

 Adaptaciones cinematográficas más destacadas

  • Sanatorium pod Klepsydrą (El sanatorio de la clepsidra), de Wojciech Has, Polonia, 1973
  • The Street of Crocodiles (La calle de los cocodrilos), de los hermanos Stephen y Timothy Quay, USA 1986
  • Bruno Schulz, de Jens Carl Ehlers con escenografía de Allan Starski, Alemania-Gran Bretaña, 1987
  • Republik der Träume (La república de los sueños), de Jens Carl Ehlers con escenografía de Allan Starski y música de Zygmunt Konieczny, Alemania-Polonia





PINTOR REALISTA Y REGIONALISTA ESTADOUNIDENSE
Andrew Newell Wyeth (12 de julio de 1917 – 16 de enero de 2009) fue un pintor realista y regionalista estadounidense. Es uno de los más conocidos del siglo XX, comúnmente se le llama el "Pintor del Pueblo" debido a su popularidad entre el público estadounidense. Fue hijo del ilustrador y artista N. C. Wyeth, hermano del inventor Nathaniel Wyeth y de la artista Henriette Wyeth, y padre del artista Jamie Wyeth y Nicholas Wyeth.
               
El tema principal de sus obras es la tierra y habitantes de su ciudad natal Chadds Ford, en Pensilvania, y de su casa de verano en Cushing, Maine. Una de las imágenes más famosas del arte estadounidense del siglo XX es su obra Christina's Worlds, que actualmente se encuentra en la colección del Museo de Arte Moderno de Nueva York.



 FÍSICO ESTADOUNIDENSE
          Willis Eugene Lamb (Los Ángeles, 12 de julio de 1913, Tucson, Arizona, 15 de mayo de 2008) fue un físico que ganó el Premio Nobel de Física en 1955 por su descubrimiento de la estructura fina del espectro del hidrógeno e ideó un método para determinar la frecuencia de las transiciones atómicas y moleculares. Sus investigaciones le valieron el premio Nobel de física en 1955, que compartió con P. Kusch. Lamb y Kusch realizaron estudios parecidos sobre el electromagnetismo del electrón, estableciendo Lamb el llamado efecto Lamb.

Con Murray Sargent y Marlan Scully, Lamb escribió uno de los primeros libros sobre la física del láser. ​ Hacia el final de su carrera, Lamb criticó abiertamente varias de las tendencias en el campo de interpretaciones de la mecánica cuántica.

     Nació en Los Ángeles, California, en 1913. Hijo de un ingeniero telefónico de Minessota y de una mujer de Nebraska. Estudió en escuelas públicas de Los Ángeles y Oakland, y en 1930 entró en la Universidad de California, en Berkeley, donde se doctoró en 1938 bajo la supervisión de Robert Oppenheimer. Desarrolló su carrera en Stanford, Yale, Oxford y Arizona.

       


 James Corey (n. Methuen (Massachusetts), 12 de julio de 1928) es un químico orgánico y profesor universitario estadounidense galardonado con el Premio Nobel de Química del año 1990 «por sus adelantos en teoría y metodología de síntesis orgánica»
Nació en la ciudad de Methuen, población situada en el estado norteamericano de Massachusetts. Estudió química en el Instituto Tecnológico de Massachusetts, donde se graduó en 1948 y doctoró en 1951. Entre 1951 y 1959 fue profesor en la Universidad de Illinois, y a partir de 1959 es catedrático en la Universidad de Harvard.
              Fue galardonado en 2004 con la medalla Priestley, concedida por la American Chemical Society.
Investigaciones científicas
Interesado en química orgánica, Corey ha desarrollado interesantes investigaciones acerca de las reacciones químicas para entender su comportamiento. Así mismo a él se le debe la creación de la prostaglandina, sesquiterpeno, triciclohexaprenol y el ácido giberélico entre otros.
Así mismo realizó investigaciones en la química teórica, desarrollando una Teoría General de Síntesis, bautizada como retrosíntesis. Esta consiste en someter una molécula orgánica que se desea sintetizar a una serie de disecciones por etapas y de acuerdo con un conjunto de reglas simples, teniendo en cuenta el carácter y el contexto estructural de los enlaces que se rompen. Fue el primero en ver la utilidad de los ordenadores, aplicándolos en el proceso de retronsíntesis.
      En 1989 ganó el Premio Japón y en 1990 ganó el Premio Nobel de Química «por sus adelantos en teoría y metodología de síntesis orgánica», específicamente análisis retrosintético.

              Es uno de los químicos más citados; en diciembre de 2011, su índice era de 140, lo que indica que es autor de más de 88 artículos con más de 140 citas cada uno.

                 
        GRABADOR ITALIANO
Stefano della Bella (Florencia, 18 de mayo de 1610 – Florencia, 12 de julio de 1664), grabador italiano.

Nacido en una familia de pintores, escultores y orfebres, y huérfano precoz de su padre escultor, se dedicó en un primer momento a la orfebrería, dirigiendo más tarde su atención al dibujo y al grabado. Comenzó pronto a dibujar figuras y a copiar los aguafuertes de Jacques Callot, que inspiraron sus obras juveniles.
Bajo la protección de los Médici, en particular de Don Lorenzo, hijo del gran duque de Toscana Fernando I de Médici, della Bella tuvo la oportunidad de viajar a Roma para estudiar. Allí permaneció desde 1633 hasta 1636 y conoció a grabadores franceses y editores como Israël Henriet y François Langlois, que influyeron en su decisión de trasladarse a París en 1639, cuatro años después de la muerte de Jacques Callot.
En París alcanzó pronto, gracias a los grabados encargados por el Cardenal Richelieu, el éxito mundano. Frecuentó a cortesanos, artistas de teatro y literatos, aunque rechazó honores demasiado opresivos.
Su amor por la naturaleza se manifiesta en frescos cuadros: grabados de animales, temas de carnaval,batallas y paisajes que revelan un estilo vivaz,delicado y lleno de fantasía, ya autónomo del de su inspirador Callot. También estudió la figura humana y otros temas: los mapas topográficos, los “caprichos”, es decir, escenas de carácter; la decoración (frisos y adornos), los sujetos militares...
De vuelta en Florencia en 1650, retomó sus obras bajo la protección de los Médici, trabajando para sus mecenas, y realizando frontispicios e ilustraciones de fiestas que exaltaban el esplendor de la corte. Se dirigió en más ocasiones a Roma, donde realizó algunas vistas de ruinas de la antigüedad. Durante este tiempo, continuó además enviando láminas, grabados y hojas a sus editores parisinos.


BOMBERO VOLUNTARIO, ACREDITADO COMO EL FUNDADOR DEL JUEGO DEL BÉISBOL
     Alexander Cartwright II (17 de abril de 1820 - 12 de julio de 1892) fue un librero y bombero voluntario en Manhattan que fue oficialmente acreditado por el Congreso de los Estados Unidos el 3 de junio de 1953 como el inventor del juego moderno del béisbol.,​ Cartwright fundó el equipo New York Knickerbockers (por la Knickerbocker Fire Engine Company) en 1842. Jugaban un tipo de deporte con bate y pelota llamado "town game" . En 1845 Cartwright y un comité de su club elaboró normas convertir este juego de campo en un deporte más elaborado e interesante para adultos. Destacamos que Cartwright era el secretario de ese comité, cuyo presidente era el Dr. Daniel L. Adams. De hecho, el Doc Adams fue el que impartió las primeras 20 reglas del béisbol. Cartwright y otros bomberos jugaban en un campo entre las calles 47 y 27 de New York. Las reglas del juego de béisbol moderno se basan en sus estatutos, y Cartwright se considera que fue la primera persona en dibujar un diagrama de campo de juego en forma de diamante.
Los Knickerbockers participaron en el primer juego competitivo bajo estas normas el 19 de junio de 1846, perdiendon 23-1 contra los New York Nine.
Nacido en la ciudad de New York el 17 de abril de 1820, hijo del capitán Alexander Joy Cartwright, Sr. y su esposa Esther Burlock Cartwright, Alex Jr. fue uno de seis hijos. Cartwright contrajo matrimonio con Eliza Van Wie de Albany el 2 de junio de 1842.
     Cartwright salió de New York durante la Fiebre del oro de California en 1849 e introdujo el béisbol en casi todas las ciudades donde permaneció a lo largo del camino. Pero la falta de higiene en los campamentos mineros de California a la larga condujeron a una epidemia de cólera. Para escapar, Cartwright se estableció en Hawaii y se convirtió en un exitoso hombre de negocios en Honolulu. En Hawaii, Alexander y su esposa, quienes ya tenían tres hijos, vieron nacer a otros dos niños, Bruce en 1853 y Alexander III en 1855. En Honolulu, Cartwright estableció la primera liga de béisbol compuesta por equipos que creó en todas las islas hawaianas. Sus ligas hawaianas se convirtieron en un modelo para las modernas ligas Americana y Nacional. Cartwright está enterrado en el Cementerio Oahu en Honolulu. En 1938, Cartwright fue elegido para el Salón de la Fama.
El "Reglamento Knickerbocker
Hay muchas diferencias entre las normas modernas de béisbol y el denominado Reglamento Knickerbocker (aprobado el 23 de septiembre de 1845 por el Knickerbocker Base Ball Club), también hay muchas similitudes.
Similitudes entre las Reglas Knickerbockers que las normas y las reglas de hoy incluyen:
  • Hay cuatro bases establecidas en un cuadrado.
  • Las bases están a aproximadamente 90 pies de distancia.
  • Las bolas bateadas fuera de primera y tercera bases° son foul.
  • Hay tres "outs" por entrada.
  • Los equipos juegan un número igual de "outs", o entradas.
  • El bateador debe hacer swing tres veces y fallar tres para quedar out.
  • Al tercer swing fallado, el bateador puede correr a la primera si el catcher no cogenla pelota en el aire o en un rebote.
  • Los corredores pueden ser puestos out de ser tocados con la pelota en juego o forzados en las bases.
    • Un corredor no puede ser sacado de out golpeándolo con una bola lanzada.
    • Lanzar a un corredor está prohibido.
Las diferencias entre el Knickerbocker normas y las reglas de hoy incluyen:
  • pelotas de foul no se consideraban las strike.
  • no había strikes cantados (sin hacer swing).
  • el juego continuaba hasta que un equipo de anotaba 21 "ases" (carreras), a condición de que un número igual de innings (entradas) se hubiesen desempeñado.
  • La pelota tenía que ser lanzada por debajo de la mano.
  • Un bateador quedaba fuera si una bola de foul o fair era capturada sobre la marcha o en el primer rebote. Todos los corredores de base podría avanzar en una bola fair capturada en el primer rebote.

Ōgata Kōrin (尾形 光琳, Ōgata Kōrin Kioto, circa 1657 - Kioto, 2 de junio de 1716) fue un pintor y lacador japonés conocido por su estilo decorativo en biombos, originario de la escuela Rinpa de pintura japonesa.

Nació con el nombre de Ogata Koretomi u Ogata Ichinojo y su familia era descendiente de un clan samurai vasallo al shogunato Ashikaga. Fue hijo Ogata Soken, un comerciante rico que vendía textiles para kimonos en Kioto y aficionado a las artes, el reconocido pintor Hon'ami Kōetsu le había enseñado caligrafía.
Adicionalmente su abuelo, Ogata Sohaku, también fue artista y se instaló en la colonia artística de Kōetsu en Kioto. Es así que durante su juventud, Kōrin recibe de su padre de manera elemental la pintura; no obstante, no le importaba el arte y prefirió vivir lujosamente y malgastar el dinero recibido por su familia.
Al arruinarse económicamente decide tomar seriamente la pintura, siendo pupilo de Yamamoto Soken, un miembro oficial de la escuela Kanō y que a su vez era reconocido por su manejo de la tinta china y de la pintura tradicional en la escuela Tosa. Soken decidió transmitir todos sus conocimientos a Kōrin. También fue influenciado grandemente por sus predecesores Hon'ami Kōetsu, Kanō Yasunobu, Gukei Sumiyoshi y Tawaraya Sōtatsu, quienes eran los pintores más importantes del país en la época. Durante esta etapa como pupilo, sus obras no poseían su personalidad, ya que estaban fuertemente influenciados con la pintura tradicional.
Al llegar a su madurez artística en 1697, se convierte en un profesional y decide alejarse de la pintura tradicional y desarrolla un estilo muy original y bastante distintivo, tanto en la pintura como en la decoración con laca. En 1701 ya era considerado uno de los mejores pintores profesionales y acreditado por el gremio de pintores.


La evolución artística de Kōrin se pudo desarrollar en tres etapas:
  • El primer período que abarca desde su comienzo como artista profesional en 1697 hasta su traslado a Edo (actual Tokio) en 1704. Entre las obras más importantes está el Biombo del lirio (1701), que representa unas flores de lirio con una decoración bastante detallada y con una ligera abstracción, resaltando la naturaleza de la pintura.
  • El segundo período abarca su estadía en Edo desde 1704 hasta 1711, y se resaltan obras dedicadas a ricos comerciantes y varios daimyō. Entre estos se destaca un biombo de flores que representan las cuatro estaciones del año.
  • El tercer período abarca su regreso a Kioto en 1711 y su muerte en 1716. En este punto regresa a los trabajos de Sotatsu, y dos de sus mejores obras son reinterpretaciones de pinturas de Sotatsu. También se destacan el biombo de las olas de Matsushima, y el más conocido artísticamente: Dios del Trueno, Dios del Viento; que representa a dos dioses puestos en dos esquinas del biombo y el resto era vacío, mostrando el comienzo de la batalla entre ambos seres.
La característica de los trabajos de Kōrin es impresionista, y expresa en pocas y muy simples formas idealizadas, con un descuido absoluto del realismo y de las convenciones normales, tendiendo hacia la abstracción y fijándose en los colores y en la naturaleza de la pintura. En el lacado, Kōrin el uso de los colores blanco metálico y madreperla es notable, trayendo rasgos de la pintura de Kōetsu; adicionalmente trabajaba en diseños para cerámica y textiles, ya que dispuso ayudar al negocio de su hermano Ogata Kenzan.


Gualberto Antonio Castro (Ciudad de México, 12 de julio de 1934) es un actor y cantante mexicano.
De orígenes mexicano y libanés por parte paterna y francés y ascendencia mexicana por parte materna.
A tiempo vegetariano, Gualberto también sigue una dieta macrobiótica. Mantiene un estilo de vida estricto que implica no tomar bebidas alcohólicas, ni café; sigue con la meditación, el ejercicio y yoga.
Castro,partició en 1975 en el Festival OTI, con la canción “La felicidad” obteniendo el primer lugar.





María Trinidad Pérez de Miravete-Mille y Pascual del Riquelme, más conocida como Mari Trini (Caravaca de la Cruz, ​ Murcia, 12 de julio de 1947 - Murcia, 6 de abril de 2009), fue una cantante y compositora española que gozó de enorme popularidad y éxito comercial en países de habla hispana durante las décadas de 1970 y 1980.  De marcada personalidad y defensora del feminismo en sus letras, Mari Trini es una de las figuras esenciales de la música española en los años de la Transición. Se la recuerda también por sus aclamadas interpretaciones en francés, particularmente por el clásico "Ne me quitte pas" de Jacques Brel.
Su siguiente álbum, Escúchame, incluyendo canciones como "Yo no soy esa" o "Yo confieso", conoce similar impacto que el anterior y confirma a Mari Trini como una de las cantautoras más importantes de habla hispana. La canción "Yo no soy esa" es posiblemente la que mejor define la personalidad de Mari Trini y el mensaje que quería transmitir: que las mujeres deben ser libres para ser y actuar al margen de las normas, y que no deben supeditarse a los deseos y expectativas de los hombres. El título "Yo no soy esa" es revelador porque cita (y rebate) otra canción: "Yo soy esa", tema clásico del género de la copla (cantado por, entre otras, Isabel Pantoja) cuya letra alude a una mujer utilizada por los hombres.




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